Kunstgewerbemuseum SKD, Dresden: Foto: Alexander Peitz

Craft as a Living Myth

Mythos Handwerk invites visitors to question the images and ideals surrounding craft and craftsmanship. We usually encounter only the finished product—rarely the processes, labor, and conditions behind it. Out of this distance, myths emerge: stories about passion, authenticity, mastery, and the artisan’s role in society. Through six thematic chapters featuring objects, interviews, photographs, and films, the exhibition examines these narratives and challenges visitors to rethink the relationship between manual skill and social imagination.

The exhibition does not romanticize craft. Instead, it addresses the tension between idealization and the realities of contemporary practice—bureaucracy, shortage of skilled labor, and the everyday risks of workshop life. Yet it also celebrates craft’s capacity to build community and social cohesion, showing that “making by hand” remains a fundamental human act. With its participatory workshops, talks, and discussion formats, Mythos Handwerk positions the museum as a social space—one where cultural myths are not only displayed but also actively reworked.

Book Series: Design Meanings (Mimesis), Volume 3: Updating Roland Barthes’ Mythologies

Updating Barthes’ Mythologies for the 21st Century

Roland Barthes’ Mythologies (1957) dissected the hidden meanings embedded in everyday phenomena—from wrestling and advertisements to wine and laundry detergent—revealing how ideology resides in the ordinary. Nearly seven decades later, Updating Roland Barthes’ Mythologies revisits this analytical lens through the perspectives of design, architecture, and art.

Edited by Hans Leo Höger as the third volume in the Design Meanings series (curated by Renato Troncon and Tom Bieling), the collection gathers over thirty short, incisive essays by international authors. Each contribution unpacks a contemporary myth of everyday life: from objects such as the water bottle, the Swiss Army knife, or the Monobloc chair, to digital phenomena like Instagram, streaming, or ChatGPT. Other essays probe conceptual and political themes—algorithms, democracy, sustainability, or the metaverse—revealing how the designed world continues to generate new systems of meaning and belief.

The book includes contributions by Grit Weber, Enrico Baleri, Anna Berkenbusch, Annette Bertsch, Tom Bieling, Gianluca Camillini, Giorgio Camuffo, Andrea Facchetti, Thomas A. Geisler, Claudia Gelati, Gesine Gold, Markus Hanzer, Oliver Kartak, Andreas Koop, Stefano Maffei, Matteo Moretti, Axel Müller-Schöll, Daniela Piscitelli, Kuno Prey, Peter Putz, Arno Ritter, Ursula Schnitzer, Erik Spiekermann, René Spitz, Karl Stocker, Sonja Stummerer, Martin Hablesreiter, Gerrit Terstiege, Uli Weidner, u.v.m.

Kunstgewerbemuseum SKD, Dresden: Foto: Alexander Peitz

A Dialogue Between Making and Meaning

Placing the book launch within the framework of Mythos Handwerk is more than a curatorial coincidence. Both projects share a concern for the cultural narratives that shape our perception of labor, value, and everyday aesthetics. While Mythos Handwerk foregrounds the tangible and social dimensions of making, Updating Roland Barthes’ Mythologies extends the analysis into the symbolic and conceptual realm—revealing how myths continue to structure our understanding of the ordinary, whether in the workshop or on the screen.

Together, the exhibition and the book invite a reconsideration of what it means to create, interpret, and live among myths today—reminding us that even in the most practical acts of making, cultural meaning is never absent.

Kunstgewerbemuseum SKD, Dresden: Foto: Alexander Peitz

Book Launch
Wednesday, 12 November 2025, 5:30 p.m.
Living Room, Japanese Palace
Palaisplatz 11, 01097 Dresden

As part of the exhibition
Myth of Craft. Between Ideal and Practice
at the Museum of Decorative Arts,
Staatliche Kunstsammlungen Dresden

Welcome:
Thomas A. Geisler, Director of the Museum of Decorative Arts / Design Campus

About the book:
Hans Leo Höger, editor and Professor of Theory and History of Design and Communication, Free University of Bozen-Bolzano

Renato Troncon, Professor of Aesthetics at the University of Trento and co-editor of the book series Design Meanings

Authors in conversation:
Kerstin Stöver, art historian and co-curator of Myth of Craft, Museum of Decorative Arts, SKD

Tom Bieling, design researcher and Professor of Design Theory at the University of Art and Design Offenbach/Main, and co-editor of the book series Design Meanings

Carola Zwick, product designer and Professor of Design with a focus on Interaction at the Berlin-Weißensee School of Art and Design

Moderation:
Thomas A. Geisler

Updating Roland Barthes’ Mythologies
Wednesday, November 12, 2025, 5:30 p.m.
Venue: Japanisches Palais, Dresden
As part of the Special exhibition Mythos Handwerk. Zwischen Ideal und Alltag
https://kunstgewerbemuseum.skd.museum/

For decades, theorists and practitioners such as Viktor Papanek, Matthew Wizinsky, Hal Foster, Adrian Forty, Ezio Manzini, Deyan Sudjic, Stuart Walker, Tony Fry, and Jonathan Chapman have grappled with this dilemma. Their work reveals that design is often not only part of the solution but also part of the problem — shaping systems that perpetuate overconsumption, alienation, and environmental destruction.

Against this backdrop, the 2-days-conference at Moholy-Nagy-University Budapest (MoMe) aims to serve as a platform for critical reflection and exchange on alternative design approaches. It will focus on strategies that operate within the cracks of capitalism—approaches that see design as a means to enrich human relationships and experiences rather than exploit them.

Organised by Eszter Babarczy, Anna Keszeg, István Povedák, Ákos Schneider and Anna Sidó, it will present and discuss initiatives, models, products, interfaces, services, and studios that foster social collaboration, care, relational thinking, or prosocial behavior. Such projects may resist the logic of consumerism or exist independently from it. The goal is to collect inspiring examples and practices from both the past and the present that can guide and motivate a new generation of designers—one that understands design as a tool for social transformation.

12 NOVEMBER

9:00 Opening Remarks
9:15 Eszter Babarczy: Capitalism as a Design Problem
10:00 Session 1
11:00 Coffee Break
11:30 Roundtable Discussion
12:15 Session 2 & 3
13:15 Lunch Break
14:15 Roundtable Discussion
15:00 Session 4
16:00 Coffee Break
16:30 Matthew Wizinsky: Design After Capitalism
17:30 Session 5
18:30 – Film Screening

13 NOVEMBER

9:00 Márton Szentpéteri: Cybernetic Socialism and Masonic Rationalism: Cybersyn, Allende, and the Politics of Design in the Chilean Road to Socialism (1971–1973)
9:45 Session 6
10:45 Coffee Break
11:00 Roundtable Discussion
11:45 Session 7 & 8
12:45 Lunch Break
13:45 Roundtable Discussion
14:30 Session 9
15:30 Coffee Break
16:00 Session 10 – Declensions of the IKEA Paradigm
17:00 Closing Roundtable Discussion
17:45 Closing Remarks

Building on Kurt Schwitters’ interdisciplinary legacy and his understanding of artistic practice as an ongoing, process-oriented form of knowledge, the symposium examines how making can be understood as a mode of inquiry that transcends disciplinary boundaries. The conference aims to provide a platform for designers, artists, theorists, and researchers to discuss how material engagement, experimentation, and creative processes generate insights that cannot be captured by theory alone.

Over two days, participants will present projects and perspectives that position “doing” as an epistemic practice – a way of knowing through doing. The symposium seeks to illuminate how creative actions shape reality, how they performatively enact concepts, and how they intertwine with other fields. Within this context, doing is considered both a means of understanding and a method of intervention, equally relevant to design, art, craft, and activism.

The program includes lectures, talks, and discussions that examine the intersections of design- and arts-based research, practice-led inquiry, and embodied knowledge. By bringing these different arenas into dialogue, the symposium aims to foster a deeper understanding of how implicit and tacit knowledge emerge in practice and how such knowledge contributes to the development of design theory.

At the same time, the symposium acknowledges that the current enthusiasm for productivity and “doing” invites critical reflection. Can pausing, refraining, or not-doing also be understood as meaningful gestures within the creative process? How do stillness, contemplation, and reflection relate to the urgency of action? And how might practices of making remain open to slowness, doubt, and hesitation? Such questions will guide the theoretical discussions and artistic contributions of this year’s event.

Invited speakers include:
Vita Berezina-Blackburn (Ohio State University, OH, USA)
Prof. Dr. Tom Bieling (Hochschule für Gestaltung Offenbach)
Ludwig Drosch (University of Hildesheim)
Prof. Dr. Annette Geiger (University of the Arts Bremen)
Shoey Nam (University of the Arts Bremen)
Jan Neukirchen (Leibniz University Hannover)
Prof. Dr. Judith Siegmund (Zurich University of the Arts)

Further contributions will be made by members of Hannover University of Applied Sciences and Arts:
Prof. Luise Dettbarn, Alexandra Gomez Kaetz, Annerose Keßler, Prof. Timo Schnitt & Sylvia Bossenz, Prof. Nadja Schöllhammer, and Prof. Dr. Jakob Vicari. The symposium is hosted by Prof. Dr. Friedrich Weltzien and Dr. Carolin Scheler.

The Kurt Schwitters Symposium has established itself as a recurring forum for interdisciplinary exchange in the fields of design theory, artistic research, and design/art practice. True to Schwitters’ spirit, the event invites participants to engage in dialogue across disciplinary and methodological boundaries—reflecting on making not only as a form of production, but as a way of thinking, knowing, and being in the world.

Programme: https://f3.hs-hannover.de/fileadmin/HsH/Fakultaet_III/News/WiSe2025-26/2025_Kurt-Schwitters-Symposium_Flyer_KSS_25.pdf

Dreißig Jahre nach Erscheinen des Originaltextes und im zwanzigsten Jahr seines Bestehens, wiederveröffentlicht das BIRD (Board of International Research in Design), dessen Mitgründer Erlhof war, den Text – nun eränzt durch zeitgenössische Positionen zum Thema. Zwanzig neue Essays von Autor:innen aus Design, Theorie, Kunst, Philosophie, Mobilitätsforschung und Kulturwissenschaft, die den zentralen Gedanken kritisch, differenziert und zukunftsorientiert weiterdenken. Kein nostalgischer Rückblick, sondern ein lebendiger, experimenteller Denkraum über die Frage, wie wir in einer globalisierten, digitalisierten Welt mit Dingen, Ressourcen und Wissen umgehen wollen.

Wolfgang Jonas, der die neue Ausgabe einleitet, beschreibt die Entwicklung präzise: Die Idee vom Nutzen statt Besitzen sei heute aktueller denn je, aber zugleich unendlich komplizierter. Sharing ist längst kein reines Gegenmodell zum Besitz mehr, sondern oft selbst ein Ausdruck konsumistischer Logik – unökologisch, unsozial und produktintensiv. Jonas schlägt vor, Erlhoffs Ansatz zu aktualisieren: kritisch gegenüber ökonomischen Verwertungsmechanismen, kontextualisiert in technologischen und gesellschaftlichen Umbrüchen, und mutig genug, neue Formen des Gemeinwohls, der Allmende und des immateriellen Besitzes zu denken.

Die Vielstimmigkeit der Beiträge ist dabei kein Zufall, sondern Ausdruck des Selbstverständnisses von BIRD als „undisziplinierter“ Forschungszusammenhang. Es begegnen sich Praxis, Theorie und Spekulation auf Augenhöhe. Die Essays argumentieren, erzählen, experimentieren, widersprechen einander – und gerade dadurch entsteht ein spannungsreicher Diskurs, der zeigt, dass die Frage „Nutzen oder Besitzen?“ heute weit über ökonomische oder ökologische Kategorien hinausgeht. Sie berührt unser Selbstverständnis als soziale, technische und politische Wesen.

Mit Beiträgen von Tom Bieling, Uta Brandes, Katharina Bredies, Rosan Chow, Michelle Christensen, Florian Conradi, Peter Eckart, Meret Ernst, Köbi Gantenbein, Simon Grand, Angela Grosso Ciponte, Harald Gründl, Saskia Hebert, Wolfgang Jonas, Simon Küffer, Eileen Mandir, Ralf Michel, Hans-Ulrich Reck, Stephan Rammler, Evelyne Roth, Erik Spiekermann, Peter Stephan, Kai Vöckler, Thomas Wagner, und Tina Weisser.

Buchvorstellung im Rahmen der Konferenz NERD 7th Heaven (New Experimental Research in Design) am 6. November (erster Konferenztag) um 17:45 Uhr an der TU Berlin, Alter Lesesaal / New Practice, Hauptgebäude, Straße des 17. Juni 135, 10623 Berlin. Unter Anwesenheit der Herausgeber:innen sowie einiger Autor:innen des Bandes.

Bieling, Tom / Brandes, Uta / Christensen, Michelle / Jonas, Wolfgang (Hrsg.) (2025): Nutzen statt Besitzen – Michael Erlhoff Revisited. Basel : Birkhäuser Verlag. 292 Seiten, 36 EUR, ISBN: 978-3-0356-3012-1

In her presentation, Emma Sicher explored how biodiverse SCOBY materials – symbiotic cultures of bacteria and yeast — can be cultivated and shaped through collaboration with plants. Her research does not seek to produce new materials in an industrial sense, but to understand the relationships between microbes, plants, humans, and their environments. Combining laboratory experimentation, fieldwork, and pedagogical practice, Sicher studies how plant-based infusions influence the growth and properties of bacterial cellulose. Field research in Thailand investigates traditional fermentation practices and the ecological and spiritual knowledge of local communities, while work in Berlin focuses on regional plants and microorganisms to strengthen local ecological connections. By translating her insights into workshops and educational formats, she invites students and citizens alike to experiment with living materials. Her project redefines Biodesign as a regenerative material culture — an approach to design that works with, rather than upon, biological processes, opening new perspectives on sustainability, materiality, and cooperation between human and nonhuman agents. The following discussion also addressed the question of how to define the boundary fields of design research PhDs that operate in the in-between zones of design, biology, and science.

Magdalene Hengst devoted her talk to the phenomenological significance of experience, embodiment, and vulnerability in the writings of Jean Améry. Her project reads Améry’s reflections—shaped by his experiences as a resistance fighter, Jewish intellectual, and Auschwitz survivor — as a form of political epistemology. While classical phenomenology, from Merleau-Ponty onward, often celebrates the body as a source of possibility and agency (“I can”), Améry reverses this paradigm: his reflections on torture, aging, and suicide show that knowledge can also arise from failure, injury, and the inability to act (“I cannot”). Hengst interprets this as a negative epistemology, one in which suffering becomes a form of insight and the body’s limits become the limits of understanding. By connecting Améry’s thinking to feminist standpoint theories such as those of bell hooks and Donna Haraway, she argues that his work offers an embodied extension of situated knowledge—foregrounding the physical and affective dimensions often overlooked in epistemological discourse. In doing so, her research contributes to a re-politicization of knowledge, grounded in vulnerability and lived experience.

Carina Moser‘s project examined the ethical responsibilities of designers in the field of User Experience (UX) and User Interface (UI) design in the context of global crises. Starting from the observation that digital interfaces frequently influence or manipulate user behavior through so-called Dark Patterns, Nudging, or Captology (computers as persuasive technologies), Moser’s work aims to both historicize and critically re-evaluate these design practices. Her goal is to develop an alternative model of ethical design — the concept of “Bright Patterns,” which emphasizes transparency, empowerment, and user trust. One chapter, titled “Assumptions by Preference: Between Design Bias and Psychological Triggers,” analyzes how interface elements appeal to fundamental psychological needs and how such triggers can become sites of both manipulation and responsibility. Her project ultimately rethinks the designer’s role as an ethical actor who consciously wields design’s power over perception and behavior to enable autonomy rather than constrain it. In the subsequent discussion, the question was raised as to the extent to which design research–based doctoral projects should (not) develop solutions to perceived problems, thereby running the risk of adopting an overly moralizing stance.

Turning to questions of organizational design, Brian Switzer presented his investigation into hospitals as complex systems of work and coordination. Building on management theories, he expands his approach with sociological frameworks that shed light on the temporal, social, and structural dynamics of hospital work. Drawing on Anselm Strauss’s typology of medical labor, Eviatar Zerubavel’s concept of socially constructed time, and Ross Koppel’s studies on clinical workarounds, Switzer links theory with field observations on wayfinding, signage, and staff communication. His research aims to apply these insights to the practical design of hospital environments, demonstrating how design can mediate between organizational efficiency and the lived experience of staff and patients alike. The ensuing discussion centered on the social construction of time and explored how such understandings could influence approaches to designing wayfinding in hospital environments.

The Thing, Image: Cryptomuseum.

Finally, Jonas Berger‘s presentation explored the communicative and functional logic of hiding. His dissertation examines how physical hiding-objects convey their inconspicuousness and fulfill their concealing function. The concept of “Hide-Semantics” he develops analyzes the perceptual and material conditions that make an object a successful hiding place. Berger studies techniques of perception management and expectation control, focusing on the notion of object plausibility — how an object’s material, weight, and form align with everyday expectations to remain unnoticed. He connects these insights to the language of product design, revealing how communicative features of hiding objects overlap with general design strategies that balance visibility and discretion. His project also considers the social and symbolic functions of hiding, offering a nuanced understanding of how design participates in systems of perception, secrecy, and interaction. Berger paid particular attention to The Thing, the ingenious Soviet listening device concealed within a wooden Great Seal of the United States. By examining Léon Theremin’s design (Yes, Theremin, the inventor of the instrument of the same name), Berger highlights how functional invisibility and communicative plausibility intersect — how an object can be both materially present and perceptually absent. The Thing thus serves as a paradigmatic case in his study of how concealment operates through design, perception, and meaning.

Each project approached knowledge as a situated, embodied, and ethically charged process, expanding the scope of design/art research to address biological, social, and philosophical dimensions of contemporary life – a model of inquiry where practice, theory, reflection and critique mutually inform one another. The engaged and stimulating discussion of the day was further evidenced by the fact that, subsequently, a larger group convened to continue the conversation over a meal at a nearby restaurant.

Gerstner’s approach was built on the premise that design is not the result of spontaneous inspiration, but of programmed decision-making. Drawing on ideas from mathematics, information theory, and Constructivist aesthetics, he proposed that visual problems could be addressed through modular structures and combinatorial logic. His notion of the “design program” aimed to replace arbitrary or purely aesthetic choices with clear parameters that could generate variation within order. Design, in this view, was a process of setting conditions rather than prescribing outcomes.

This philosophy manifested in a wide range of works – from typographic systems and corporate identities to artworks based on algorithmic structures. But Gerstner’s ambition was never merely practical. He envisioned a unified theory of design in which form and function, aesthetics and logic, would be harmonized through structure. His writings, such as Designing Programmes (1964), became key reference points for generations of designers seeking to ground their practice in rational methodology.

In “Karl Gerstner: Der Traum vom Absoluten” (published in German), Jonas Deuter undertakes the first comprehensive academic analysis of this system-oriented design philosophy. Rather than treating Gerstner primarily as a historical figure or celebrated practitioner, Deuter focuses on the conceptual core of his work: the tension between method and meaning, between theory and application.

At the center of Deuter’s study are the two foundational concepts Gerstner coined: “structure” and “program.” These are not merely tools for organization – they represent an entire epistemology of design. Deuter examines how these ideas function in theory and how they were implemented in specific works, assessing their potential and their limitations. How consistent was Gerstner’s commitment to system design? Did the programs he devised truly determine the outcomes, or did subjective judgment persist beneath the surface?

Deuter also reveals moments of discontinuity and contradiction. He draws attention to gaps between Gerstner’s idealized self-presentation and the messier reality of his design practice. This critical perspective adds depth to the often overly rational image of Gerstner and challenges the assumption that systematic design is inherently neutral or objective.

By situating Gerstner’s work in its intellectual and cultural context, Deuter not only illuminates a key figure of Swiss modernism, but also raises broader questions about the role of structure in design. Can a program ever fully replace the designer’s intuition? Where does logic end and interpretation begin? And what does it mean to design with constraints – not despite them, but because of them?

The book thus offers more than a study of one designer; it opens a window onto the deeper logic of mid-century design ideology. Precisely, Deuter traces the aspirations, paradoxes, and legacies of one of design’s most systematic minds—offering new insights into how systems both enable and delimit design.

Jonas Deuter
Karl Gerstner: Der Traum vom Absoluten
Kettler Verlag, 384 Seiten, 35 EUR
ISBN: 3-987-411783

Doctoral studies at HfG Offenbach are characterized by the close intertwining of theoretical-scientific reflection and artistic / design practice. The research projects typically consist of two-thirds written academic work and one-third artistic or design-based project. Both parts are not conceived as separate, but as complementary forms of inquiry: artistic practice is understood as a form of research in itself, while theoretical work is informed and inspired by artistic and design thinking. Each doctoral candidate is supervised by professors from both theoretical and artistic disciplines – an approach that underscores the university’s commitment to integrating research, design, and social engagement.This year’s colloquium exemplifies the breadth of this approach.

In “Growing biodiverse SCOBY with and from plants,” Emma Sicher explores ecological approaches to biodesign, in which microorganisms and plants act as co-designers of new material cultures. Magdalene Hengst, in “Experience, Body, Vulnerability,” examines the political phenomenology of Jean Améry and develops from it an embodied epistemology that expands feminist standpoint theories. Carina Moser, with “Dark or Bright?”, investigates the ethics of digital design and the responsibility of designers in navigating between manipulation, trust, and autonomy. In “Design for Wayfinding in Hospitals,” Prof. Brian Switzer reconsiders the design of hospital wayfinding systems through sociological and organizational perspectives. Jonas Berger, in “On the Fundamental Constitution of Hiding,” analyzes how the material and functional characteristics of hiding objects communicate and perform their concealment between visibility and invisibility.

The Doctoral Colloquium illustrates how, at HfG Offenbach, theory and practice, research and art/design, thinking and making are deeply interwoven. The presented projects not only expand disciplinary boundaries, but also engage with pressing, e.g. societal and ethical questions, showcasing HfG’s model thoery-and-practice-based inquiry.

Programm

Emma Sicher
Growing biodiverse SCOBY with and from plants

Magdalene Hengst
Erfahrung, Körper, Verletzbarkeit. Die Phänomenologie der körperlichen Versehrtheit Jean Amérys

Carina Moser
Dark or Bright? Von diskursiver Relevanzentwicklung integerer UX-Gestaltung und der Eigenverantwortlichkeit der Designer*innen in Zeiten globaler Krisen

Prof. Brian Switzer
Design for Wayfinding in Hospitals

Jonas Berger
Über die grundlegende Verfasstheit von Verstecken und die Bedingungen der Erfüllung ihrer Funktion

Moderation: Prof. Dr. Tom Bieling

Aula der HfG Offenbach,
Schloßstr. 31,
63065 Offenbach,
1 Obergeschoss

https://www.hfg-offenbach.de/de/pages/promotion#ueber

Kjell Wistoff und Conrad Weise behandeln in ihrem Vortrag diese Aspekte der Komprimierung von Interaktionen, wenn wir mit Systemen wie ChatGPT interagieren. Anhand des experimentellen Forschungsprojekts »I Apologize for the Confusion« werden sie demonstrieren, wie sich die Ästhetik des Hyperdurchschnitts in der Interaktion mit diesen Systemen manifestiert.

Die Veranstaltung am 29. Oktober 2025, 18 Uhr im Hauptgebäude der HfG Offenbach (Raum 307) wird unterstützt von hessian.AI — The Hessian Center for Artificial Intelligence.

Diese Neuorientierung steht in einem Spannungsfeld zwischen “klassischen” medienphilosophischen Entwürfen, die Medialität als anthropologische Grundstruktur bestimmen (vgl. Engell/Siegert 2013; Jäger 2015), und jüngeren, kritisch-posthumanistischen Ansätzen, die den Menschen selbst in seinen technischen und materiellen Verflechtungen dezentrieren (Barad 2007; Braidotti 2022). Die Frage, was Medien machen – und für wen sie einen Unterschied machen (Barad 2012) – gewinnt dabei eine politisch-epistemische Dimension: Medialität ist nicht neutral, sondern situiert, differenziert und affiziert.

Im Anschluss an feministische und technikphilosophische Traditionen (Haraway 1985; Hayles 1999; Russell 2020) wird die Aufmerksamkeit auf jene Körper gelenkt, die in medienphilosophischen Theorien oft als implizite Norm mitgeführt wurden – der vermeintlich neutrale, männlich codierte Beobachterkörper. Intersektionale Perspektiven aus queer theory, dis/ability studies und critical race studies machen sichtbar, dass auch das Wahrnehmen, Empfinden und Denken selbst medial strukturiert und von gesellschaftlichen Einschreibungen durchzogen ist (Weiss et al. 2020). Damit verschiebt sich der Fokus von einer Anthropologie der Medialität zu einer Politik der Medialität.

Innerhalb dieser Konstellation gewinnt der Begriff der Materialität neue Bedeutung. Wenn die Materie – wie Karen Barad betont – nicht bloß passiver Träger, sondern aktiver Teilnehmer an der Konstitution von Beziehungen ist, dann erscheint Medialität als materielle Praxis (Barad 2007). Auch die postphänomenologische Diskussion um Technik und Wahrnehmung (Rosenberger 2020; Linsenmeier/Seibl 2019) trägt zu diesem Perspektivwechsel bei, indem sie das Verhältnis von Mensch und Apparat nicht als instrumentell, sondern als relational, verkörperungsabhängig und damit politisch situiert begreift.

Vor diesem Hintergrund setzt der Workshop „Kritisch-posthumanistische Medienphilosophie. Medialität – Materialität – Körper“ (24.–25. Oktober 2025, Ruhr-Universität Bochum) an. Er versteht sich weniger als thematische Bündelung denn als Versuch, die begrifflichen Spannungen zwischen kritischem Posthumanismus, neuem Materialismus und (post-)phänomenologischen Ansätzen produktiv zu machen. Dabei geht es um die Frage, wie diese heterogenen Theoriefelder miteinander ins Gespräch gebracht werden können, ohne ihre jeweiligen Differenzen einzuebnen.

Die Veranstaltung knüpft an einen medienphilosophischen Diskurs an, der sich seit Mitte der 2010er Jahre zunehmend interdisziplinär öffnet. Statt auf systematische Vereinheitlichung zielt sie auf methodologische Reibung: auf das Ausprobieren, Aushandeln und Neujustieren von Begriffen wie Assemblage, Relation, Intentionalität oder Multistabilität. Dass der Workshop ein Format jenseits des klassischen Vortrags wählt – kurze Impulse anstelle ausformulierter Referate – ist Ausdruck dieser Haltung. Erkenntnis soll hier nicht durch Systematik, sondern durch Perspektivenvielfalt entstehen: durch das, was sich im Austausch, in der situativen Kollision von Theoriebewegungen zeigt.

Medialität und Materialität mögen hier also als gemeinsam zu denkende Bedingungen der Verkörperung thematisiert werden. In diesem Sinne adressiert der Workshop zugleich eine Leerstelle innerhalb der medienphilosophischen Forschung: die Frage, wie sich der Körper als Ort medialer Praktiken politisch und epistemisch situieren lässt. Die Bochumer Tagung steht somit exemplarisch für eine gegenwärtige Tendenz, die Medienphilosophie als kritische Theorie der Materialität neu zu denken – nicht als Abkehr von Phänomenologie oder Anthropologie, sondern als deren Revision.

Der Workshop wird organisiert von Patrizia Breil und Alisa Kronberger (HfG Offenbach) und findet statt vom 24.–25. Oktober 2025 im Blue Square, Kortumstraße 90, Bochum.

Das blank spaces Festival und seine gleichnamige Konferenz verstehen sich als Diskurs- und Erlebnisraum, in dem genau diese Perspektiven verhandelt werden. Akteurinnen aus Kunst, Architektur, Design, Wissenschaft und Zivilgesellschaft kommen vom 23.–24. Oktober in Mönchengladbach zusammen, um gemeinsam über die Zukunft urbaner Lebensformen nachzudenken. Dabei geht es nicht um fertige Antworten, sondern um das gemeinsame Erproben: von Denkmodellen, ästhetischen Praktiken und solidarischen Strukturen.

Die Stadt wird hier als Resonanzraum begriffen – als Feld, in dem kulturelle und gestalterische Praktiken soziale Beziehungen erzeugen, sichtbar machen und transformieren können. Diese Perspektive rückt die kulturelle und ästhetische Dimension städtischer Entwicklung in den Vordergrund: Stadtplanung als kulturelle Praxis, Gestaltung als gesellschaftliche Verantwortung, Teilhabe als ästhetischer und politischer Akt. Damit positioniert sich blank spaces bewusst an der Schnittstelle zwischen Diskurs und Praxis, zwischen Stadtentwicklung, Architektur, Design und Kunst.

So diskutiert etwa Moritz Ahlert („Städtische Solidaritäten transformieren“) die Rolle partizipativer Forschung und ko-produzierter Projekte wie Spaces of Solidarity und Kiosk of Solidarity. Stadtplanung wird darin zur geteilten Aufgabe – zum Prozess der gemeinsamen Imagination von Solidarität.

Im Gespräch erörtert das Team von Hepatha e.V. gemeinsam mit Tom Bieling Aspekte einer “Stadt für Alle?!”. Es gilt herauszufinden, wie sich stillen Normen aufbrechen lassen, die in unseren gebauten und medialen Umgebungen eingeschrieben sind – auf der Suche nach einem anderen, inklusiven Verständnis von Gestaltung.

Das Panel „Shaping a tomorrow worth living“ widmet sich der performativen Rolle von Kunst, Kultur und Medien für eine gerechtere und empathischere Gesellschaft. Natasha A. Kelly, Ulla Heinrich, Çağdaş Eren Yüksel und Felix Kosok diskutieren, wie ästhetische Praktiken Wirklichkeit nicht nur spiegeln, sondern aktiv herstellen. Sie fragen, wie Repräsentation, Sichtbarkeit und Vielfalt nicht nur Anliegen marginalisierter Gruppen sind, sondern konstitutive Bestandteile einer demokratischen Kultur.

Diese und weitere diskursive Formate korrespondieren mit dem performativen Programmteil von blank spaces: Wenn die Sonne untergeht, beginnt die „Spätschicht“ – urbane Kunst- und Kulturformen bespielen (un-)gewöhnliche Orte auf dem Kulturhügel in Mönchengladbach. Es treffen experimentelle Musik, Performance, Lichtkunst und Interventionen aufeinander, verschieben Perspektiven und aktivieren den Stadtraum als ästhetische und gesellschaftliche Bühne. Eine Einladung, die Stadt nicht nur zu bewohnen, sondern sie als kollektives Gestaltungsfeld zu begreifen.

So gesehen ist blank spaces kein Festival im herkömmlichen Sinne – sondern vielmehr ein Labor. Ein Möglichkeitsraum, in dem sich ästhetische, soziale und politische Fragen überlagern, reiben und neu verbinden. Es geht um nichts weniger als um die Frage, wie wir die Stadt letztlich als Resonanzkörper des Gemeinsamen gestalten können.

Zur Teilnahme an der Konferenz am Donnerstag und Freitag sind Tickets erforderlich. Für das Festival-Programm am Abend gilt: Eintritt gegen Spende.

Infos zu Konferenz und Festival: https://blank-spaces.de/

The workshop encourages doctoral candidates to reflect on the aims, values, and relevance of their own research. Together, participants discuss the role of science and art in society and examine how academic work can inspire dialogue, foster understanding, and promote cultural exchange. Through theoretical input and interactive discussions, they explore how communication shapes the perception and impact of research.

“Die eigene Forschung reflektieren und kommunizieren”, Plakat: Mignon Vahl)

A key element of the workshop is practical training. Participants experiment with different ways of presenting their projects—verbally, visually, and in writing—and receive feedback on how to express their ideas clearly and engagingly. The focus lies on identifying core messages, choosing suitable formats, and adapting communication styles for different audiences, from academic peers to the general public.

Beyond these exercises, the workshop offers insight into the broader field of science communication, its formats, institutions, and professional pathways. Case studies illustrate how researchers can successfully share their findings and build meaningful connections between research and society.

As a key message, the book points aut that Design cannot be separated from the cultural, political, and ecological values that shape it. It both produces and is produced by these contexts. Against the backdrop of global crises such as climate change, war, inequality, and digital transformation, experimental design becomes a way to explore new forms of knowledge, responsibility, and care. The contributions in this volume demonstrate how designers dissolve boundaries between theory and practice, human and nonhuman, technology and nature through practice-based research. Each project—whether working with bioreceptive textiles, the vitality of salt, prosthetic bodies, or AI participation—reveals how experimentation itself can generate insight.

The works presented in discussed in the book engage with living materials, cohabitation, and non-linear processes, challenging Western ideas of permanence and control. They address how design can rethink power, consent, technology, and difference, showing how uncertainty and failure can become productive forces. Together, the authors propose a research ethos grounded in openness, humility, and critical engagement—positioning design as a practice of becoming, unmaking, and reimagining in a time of ontological crisis.

Contributaions by Svenja Keune, Ariel Cheng Sin Lim, Delia Dumitrescu, Mette Ramsgaard Thomsen, Barbara Pollini, Julia Ziener, Franca López Barbera, Athena Grandis, Torben Körschkes, Axel Meunier, Florian Porada, Dulmini Perera, Joseph Lindley, David Philip Green, and Jozef Eduard Masarik.

Tom Bieling, Michelle Christensen & Florian Conradi (Eds.) (2025): NERD III - New Experimental Research in Design: Positions and Perspectives. BIRD Board of International Research in Design, Birkhäuser, Basel/Berlin. ISBN 3-035628807. 204 Pages, 29,- EUR.

The one day conference, organized by Janka Csernák, Kinga German and István Povedák, showcases projects, initiatives, and best practices that harness the power of design to advance social inclusion – whether by improving everyday situations, increasing the visibility of underrepresented groups, or encouraging participation. 

The conference focuses on exploring new perspectives on care, cooperation, and transformation within cultural and design institutions. It brings together thinkers and practitioners who challenge conventional frameworks and propose alternative approaches to how museums, design, and research can engage with communities, infrastructures, and environments.

Elke Krasny’s talk redefines the traditional notion of museum care. Rather than limiting care to the preservation of objects, she proposes an expanded understanding that includes atmospheres, bodies, environments, minds, and infrastructures. Drawing on a feminist ethics of care, Krasny examines how museums can move beyond institutional critique toward infrastructural transformation. Through historical and contemporary examples, she shows how museum professionals are reshaping curatorial and institutional practices, turning museums into spaces of activism, collective learning, and transformative encounters.

Tom Bieling’s keynote explores the ambiguities of cooperation and community within design research. He discusses how belonging and collective engagement emerge through design practices—and how these processes are inherently complex, paradoxical, and sometimes conflicting. Bieling (HfG Offenbach) also reflects on the methodological challenges of inter- and transdisciplinary research, illustrating his arguments with insights from his own projects. His talk invites participants to reconsider how design can foster collaboration and shared responsibility while embracing tension and difference as productive forces.

The event fosters dialogue among students, educators, practising designers, and all those curious about how design can evolve into a responsive, supportive force in contemporary society.  

Programme (21 October 2025)

9:00 - 9:15 a.m. Opening
9:15 - 10:00 a.m. Prof. Dr. Elke Krasny “Curating with Care”
10:00 - 11:00 a.m. Prof. Dr. Tom bieling “Practices of Entanglement – Design as Social Paradox”
11:00 - 11:30 a.m. Break
11:30 a.m. – 12:00 p.m. Home and Away – Exhibition Opening and Conversation
12:00 – 1:00 p.m. Design – Responsibility – Inclusivity – Roundtable Discussion
1:00 – 2:00 p.m. Lunch
2:00 – 3:30 p.m. Designing for a Liveable Future – Presentations by young designers
3:30 – 4:00 p.m. Break
4:00 – 4:45 p.m. Slowly Opening Spaces – Fields of Presence – A conversation on the collaboration between MOME and the Hungarian Charity Service of the Order of Malta
4:45 – 5:45 p.m. Cloud-Dwellers – Community Spaces in Youth Protection
5:45 – 6:00 p.m. Break
6:00 – 7:30 p.m. Intentions Are No Guarantee – Dilemmas and Diverging Perspectives in Socio-Cultural Projects
7:30 – 9:00 p.m. MOME DOCU – Hold My Hand!

Conference Link: https://mome.hu/en/design-es-tarsadalmi-felelosseg

Doch wie lässt sich Nachhaltigkeit im künstlerischen Kontext tatsächlich verstehen und umsetzen? Welche ethischen, materiellen und institutionellen Fragen stellen sich dabei – und welche Rolle kann Kunst in einer Zeit globaler ökologischer Transformation überhaupt einnehmen?

Das green.office der Hochschule für Gestaltung Offenbach am Main lädt ein, diesen Fragen im Rahmen des zweitägigen Art Futures Symposiums nachzugehen. Ziel ist es, aus interdisziplinärer Perspektive die vielfältigen Verbindungen zwischen Kunst, Nachhaltigkeit und Gesellschaft zu beleuchten. Im Austausch zwischen Künstlerinnen, Designerinnen, Theoretikerinnen und Vertreterinnen aus Kulturpolitik und Wissenschaft werden Ansätze vorgestellt, wie nachhaltiges Handeln in den Künsten gedacht, praktiziert und vermittelt werden kann.

Nachhaltigkeit, so dürfte längst klar sein, ist weit mehr als ein ökologisches Schlagwort. Sie beschreibt ein komplexes Zusammenspiel von ökologischen, sozialen und ökonomischen Dimensionen, das auf langfristige Verantwortung und Gerechtigkeit abzielt. Dabei geht es um nichts weniger als die Frage, wie Zukunft gestaltet werden kann – und welche z.B. ethischen und ästhetischen Modelle von Verantwortung dabei leitend sind. Im künstlerischen und gestalterischen Kontext bedeutet dies, den Begriff Nachhaltigkeit kritisch zu befragen und seine Bedeutung für Gestaltungsprozesse zu präzisieren: Wie können nachhaltige Prinzipien in kulturelle Praktiken und Institutionen integriert werden? Welche Formen des Denkens, Produzierens und Vermittelns sind zukunftsfähig, wenn Ressourcen, soziale Strukturen und kulturelle Ausdrucksformen gleichermaßen aufeinander bezogen werden müssen?

Plakat: Janis Ay

In diesem Zusamenhang ebenfalls spannend: Die Debatten um “nachhaltige Kunst” die weit über die bloße Beschäftigung mit ökologischen Themen hinausgeht. Die Reflektion der eigenen Produktionsweisen, Materialien und Distributionsformen, die Suche nach Wegen, wie künstlerisches Schaffen selbst nachhaltige Werte verkörpern kann… Dies mag sich in der Wahl ressourcenschonender Materialien äußern, in gemeinschaftsorientierten Projekten oder in performativen, immateriellen und partizipativen Praktiken, die soziale Transformation in den Mittelpunkt stellen. “Nachhaltige Kunst” fragt aber auch danach, wie sich künstlerische Autonomie und ökologische Verantwortung miteinander verbinden lassen – wie also ein ästhetischer Prozess aussehen kann, der zugleich kritisch, reflektiert und verantwortungsbewusst handelt.

Auch hier stellt sich – wieder einmal – die Frage, inwiefern zeitgenössische Kunst neutral bleiben kann oder ob sie sich aktiv politisch positionieren muss. Welche Rolle kann und soll Kunst in gesellschaftlichen Aushandlungsprozessen spielen? Kann sie ein Ort des Widerspruchs, der Irritation und des Nachdenkens sein, ohne sich instrumentalisieren zu lassen? Kann Kunst gesellschaftliche Prozesse kritisch begleiten, indem sie ökologische und soziale Themen sichtbar macht, Zusammenhänge offenlegt und alternative Perspektiven eröffnet. Formen des ästhetischen Widerstands, symbolische Interventionen und poetische Strategien werden so zu Mitteln, um drängende Fragen der Gegenwart sinnlich erfahrbar und diskursiv verhandelbar zu machen.

Nachhaltigkeit zeigt sich jedoch nicht nur in den Inhalten, sondern auch in den künstlerischen / gestalterischen Prozessen selbst. Zahlreiche zeitgenössische Positionen verstehen Nachhaltigkeit als integralen Bestandteil ihres Arbeitens. Sie entwickeln neue Ansätze ökologisch sensibler Materialforschung, erproben kollektive Arbeitsformen und schaffen ortsspezifische Projekte, die soziale und ökologische Räume neu denken. Solche künstlerischen Praktiken machen sichtbar, dass Nachhaltigkeit auch eine ästhetische Haltung ist – eine Form, Beziehungen zwischen Mensch, Natur, Material und Gesellschaft neu zu gestalten.

Neben alldem richtet sich der Blick auch auf die strukturellen Bedingungen des Kunstsystems: Welche Verantwortung tragen Institutionen, Förderstrukturen und Bildungsstätten, um nachhaltige Entwicklungen überhaupt zu ermöglichen? Wie können Ausstellungsorte, Hochschulen und Förderprogramme so gestaltet werden, dass sie langfristiges Denken und nachhaltige Produktionsformen unterstützen? Und wo liegen die individuellen wie kollektiven Handlungsspielräume von Kunstschaffenden in einem System, das häufig von kurzfristigen Projekten, globaler Mobilität und Ressourcenverbrauch geprägt ist?

Mit ca. 20 Beiträgen und Positionen wird das zweitätige Symposium aufzuigen, wie Kunst und Design in diesem Spannungsfeld nicht nur auf Nachhaltigkeit reagieren, sondern selbst aktiv zu einer nachhaltigen gesellschaftlichen Transformation beitragen können. Mit dabei unter anderem: Mateo Chacón-Pino (documenta Institut Kassel), Prof. Dr. Brigitte Franzen (HfG Offenbach), Tanya Gautam (Universität zu Köln), Prof. Dr. Christian Janecke (HfG Offenbach), Jannis Kemkens (Studio Circology), Prof. Franziska Nori (Frankfurter Kunstverein), Prof. Dipl.-Ing. Holger Rohn (THM Darmstadt), Theresa Schubert (Künstlerin), Prof. Dr. Flurina Schneider (ISOE Institut), Sam Spurr (University of Newcastle Australia), X Breidenbach (Künstler), Zentrum für Politische Schönheit, Tom Albrecht (GROUP GLOBAL 3000), Kat Austen (Künstlerin), Prof. Dr. Joachim Curtius (Goethe Universität Frankfurt), Antonella Fiumara (Künstlerin), Prof. Dr. Daniela Göller (AMD Düsseldorf), Swaantje Günzel (Künstlerin), Carmen Maiwald (Freie Journalistin), Juni Sun Neyenhuys (Mujōlab), Dr. Manuel Rivera (RIFS Forschungsinstitut für Nachhaltigkeit am GFZ) und The Nest Collective.

Am 17. und 18. Oktober 2025 in der Aula der HfG Offenbach.

Hochschule für Gestaltung Offenbach
Aula, Hauptgebäude, 1. OG
Schlossstraße 31
63065 Offenbach

–> Programmheft (PDF)

Für die gute Zusammenarbeit, Anregungen, Vermittlung und Kontakte dankt die Hochschle: Prof. Dr. Brigitte Franzen, Prof. Zane Berzina, Prof. Dr. Tom Bieling, Anna Burst, Dennis Chilas, Daphne Correll, Prof. Nadine Fecht, greenlab - weißensee kunsthochschule berlin, Till Hergenhahn, Merja Herzog-Hellstén, Prof. Dr. Christian Janecke, Prof. Heike Selmer, Prof. Albrecht Schäfer, Susa Templin und Susanne Wieland

The conference features an exceptional line-up of speakers, including Bas van Abel, founder of Fairphone; Katharina Jose, Professor of CMF Design in Vehicle Interiors at Reutlingen University and former CMF Lead at Lynk & Co; the Berlin-based design studio N O R M A L S (with exciting details still under wraps); Chris Lefteri, a world-leading expert on surface design whose eight books have reshaped designers’ approach to materials; and Ron Wakkary, Professor at the School of Interactive Arts and Technology at Simon Fraser University, Canada, and founder of the Everyday Design Studio.

Workshops will include sessions by Juszuff Kovács on merging 3D printing with ceramics; Studio Nima on scaling biobased materials from laboratory research to industrial use; Barbara Pollini on how design can foster biodiversity through sculptural creations; and Davide Gomba on applying TinyML in design practice.

Expect a rich variety of materials such as hemp and mycelium, and more unexpected discoveries. A special session will also highlight cutting-edge French–Hungarian research collaborations, complete with live translation.

Future Materials Conference
15-17 October 2025
Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest
https://futurematerials.mome.hu/home/?l=eng

Über die Disability Studies hinaus fragt das Netzwerk, wie Verbindungen zwischen Körper und Technik entstehen und welche Wirkmächte daran beteiligt sind – von menschlichen Körpern über Prothesen bis hin zu Algorithmen. Dis-/Abilities werden so als behindernde und zugleich ermöglichende Praktiken verstanden, die sich in der Relation zwischen Körpern und Technologien entfalten. Untersucht wurden zentrale Begriffe wie agency, Assistenz, Barrierefreiheit und sensorische Erfahrung, um Assoziationen von Körpern und Medien aus unterschiedlichen methodischen Perspektiven zu beleuchten. Das Projekt war in der medienwissenschaftlichen Forschung verankert, zugleich aber inter- und transdisziplinär angelegt, mit Perspektiven aus der Mediengeschichte, Kultur- und Literaturwissenschaft, Soziologie und Designforschung. Zentral war dabei auch der Dialog zwischen deutschsprachigen Zugängen und den Disability Media Studies aus dem anglo-amerikanischen Bereich.

Aus dieser Zusammenarbeit ist nun ein Sammelband hervorgegangen. Die thematische Spannweite der Beiträge verdeutlicht die Produktivität dieser Perspektive. Markus Spöhrer zeigt anhand von Videospiel-Controllern der 1970er bis 1990er Jahre, dass Zugänglichkeit weniger auf industrielle Innovationen als auf Praktiken des Hackings und Customizings zurückging. Anna-Lena Wiechern diskutiert die epistemologischen Hindernisse der Kittler’schen Medientheorie, die Behinderung häufig nur metaphorisch fasste. Jan Müggenburg und Andreas Wagenknecht analysieren assistierte Kommunikation und veranschaulichen, wie Technikgestaltung, Alltagspraxis und Biografie ineinandergreifen. Axel Volmar untersucht die Marginalisierung gehörloser Nutzer:innen in der Videokommunikation und die damit verbundene zusätzliche Infrastrukturierungsarbeit.

Katrin Röder zeigt, wie Disability-Aktivismus auf Social Media neue Sichtbarkeit schafft, aber auch an Plattform-Barrieren stößt. Natalie Geese und Robert Stock reflektieren blinde Geldpraktiken im Umgang mit Automaten, Terminals und Online-Shopping. Christian Meier zu Verl eröffnet eine interaktionssoziologische Perspektive auf Demenzpflege, in der Nicht-/Behinderung situativ hervorgebracht wird. Melike Şahinol thematisiert methodische Herausforderungen ethnographischer Gespräche mit Kindern, die 3D-gedruckte Prothesen nutzen. Yvonne Schmidt, Nina Mühlemann und Celestina Widmer analysieren Angela Alves’ digitale Performance No Limit und die dort entwickelten „aesthetics of access“. Tom Bieling, Frithjof Esch, Beate Ochsner, Siegfried Saerberg und Robert Stock untersuchen digitale Zusammenarbeit in Videokonferenzen und betonen den Wert von Zugangswissen und Zugangsarbeit. Sonja Buchberger und Jana Herwig widmen sich der Hochschullehre und beleuchten die Spannungsfelder von Exzellenz, Studierbarkeit und inklusiver Didaktik.

Auf 340 Seiten verbindet der Sammelband somit historische und gegenwartsbezogene Fallstudien mit theoretischen Interventionen und empirischen Analysen und macht deutlich, dass Behinderung und Nicht-Behinderung nicht nur durch technische Innovationen, sondern immer auch durch soziale Praktiken, normative Erwartungen und unterschiedliche Umgehungsstrategien hergestellt werden. In diesem Sinne liefert das Buch einen wichtigen Beitrag zur Etablierung einer dis/ability-sensiblen Medienwissenschaft und Designforschung, die digitale Technologien nicht allein als Werkzeuge der Inklusion, sondern auch als potenzielle Produzenten neuer Barrieren und Exklusionen kritisch reflektiert.

Stock, R., Meier zu Verl, C., Şahinol, M., Spöhrer, M., Volmar, A., Wagenknecht, A., & Wiechern, A.-L. (Hrsg.). (2025). Dis/Ability und digitale Medien: Interdisziplinäre Perspektiven auf Technologien, Praktiken und Zugänglichkeiten. Wiesbaden: Springer VS. https://doi.org/10.1007/978-3-658-46724-1

In this context, the doctoral programme at HfG Offenbach is once again hosting an event with expert guests. In what is now the third event in the series, the exchange on various funding options will continue. The focus will remain primarily, but not exclusively, on the period after the qualification phase. This time, the Federal Government’s ‘Research and Innovation’ funding advisory service will join from Berlin to present its services and current funding programmes (Filip Stiglmayer). Further expertise will be provided by Ulrike Grünewald, Head of the Office for Knowledge Transfer, as well as Ute Pichl and Jana Wardag (International Office).

Programme

10.00: Opening Remarks, Prof. Dr. Tom Bieling

10.15: Filip Stiglmayer, Förderberatung »Forschung und Innovation« des Bundes

11.00: Ute Pichl und Jana Wardag, Internationales Büro der HfG

11.30: Ulrike Grünewald, Leiterin des Büros für Wissenstransfer des HfG

12.00: Open Plenum

Ca. 13.00: Get together, HfG Mensa

The event is particularly aimed at artistic and scientific staff and doctoral candidates, but all other interested parties are also welcome!

29. September 2025, 10–13h, Hfg Offenbach, Main Building, Room 101

Organised by Helena Schmedt, Ellen Wagner, Riccarda Weih & Tom Bieling.

In “Bilder als Zeugen” (Images as Witnesses), Maria Sitte analyzes this development through the work of Forensic Architecture, a research collective known for its spatial investigations into human rights violations. Focusing on three films that reconstruct acts of racist police violence, the book explores how concepts such as credibility, traceability, and conviction are translated into visual form. These films do not simply document—they argue, and they make claims.

Sitte’s study moves beyond a single case to map a broader terrain of investigative aesthetics. In dialogue with works by Lawrence Abu Hamdan, Susan Schuppli, and Mario Pfeifer, she identifies contrasting approaches to visual testimony, each navigating the complex terrain between documentation, activism, and artistic form.

Rather than idealizing forensic images as neutral evidence, the book offers a critical perspective on their construction and reception. It situates the works within institutional, aesthetic, and political contexts, examining how meaning is shaped not only by what is shown but by how—and where—it is shown.

Sittes book, published in German, contributes to visual culture studies, art theory, and media forensics by offering a differentiated analysis of how visual practices operate as tools of witnessing. It highlights both the potential and the tensions inherent in turning images into sites of political engagement.

Fast sieben Jahrzehnte nach Barthes’ Analysen setzt der nun frisch erschienene, von Hans Leo Höger herausgebene Sammelband „Updating Roland Barthes’ Mythologies“ diese Tradition fort. Als Band 3 der von Renato Troncon und Tom Bieling kuratierten Design Meanings Reihe (Mimesis) untersucht das Buch die Mythen unserer Gegenwart aus den Blickwinkeln von Design, Architektur, Kunst und Umweltgestaltung. Wie bei Barthes selbst sind die Beiträge kurz, analytisch und pointiert, sodass sie komplexe Phänomene des Alltags verständlich machen und zum Nachdenken anregen.

Das Buch eröffnet mit einem Geleitwort von Michele Nicoletti und einer Einführung von Hans Leo Höger, die den Rahmen für einen interdisziplinären Dialog zwischen Theorie und Praxis setzen. Es folgen über 30 Beiträge internationaler Autor:innen, die die Vielfalt heutiger Alltagsmythen beleuchten. Die Themen reichen von konkreten Alltagsobjekten wie der Trinkwasserflasche, dem Schweizer Taschenmesser, der Zitruspresse oder dem Monobloc-Stuhl, über digitale und mediale Phänomene wie Citizen Journalism, Streaming, Instagram und ChatGPT, bis hin zu gesellschaftlich relevanten Konzepten wie Algorithmen, Demokratie, Metaversum und Nachhaltigkeit. Historische und gestalterische Perspektiven werden beispielsweise anhand von Enzo Mari oder Vignellis Plan vermittelt, während Beiträge zu Homeoffice, Fachgeschäften des Einzelhandels oder Supermärkten die greifbaren Realitäten gegenwärtigen Lebens in den Blick nehmen. In seinem Epilog zeigt Tom Bieling auf, wie Alltagsdinge und Alltagspraktiken nicht nur unser Leben prägen, sondern auch Wissen generieren, transportieren und strukturieren, und entwickelt daraus eine „Epistemologie der Omnipräsenz“, die zeigt, dass Wissen überall und in allem gegenwärtig ist. Dabei wird insbesondere die heutige Wissenskultur in digitalen Netzwerken kritisch beleuchtet, in der schnelle Meinungsäußerung oft oberflächliches Wissen überlagert und die sozialen, kulturellen und materiellen Dimensionen von Wissen verdeckt.

Höger zeigt hier eindrucksvoll, dass Barthes’ Ansatz nach wie vor relevant ist: Der Alltag bleibt ein Feld voller verborgener Bedeutungen, Ideologien und Mythen, und Design ist dabei sowohl Medium als auch Spiegel dieser komplexen Realität. Gemeinsam mit den zahlreichen Mitautor:innen ermöglicht das Buch einen interdisziplinären Blick auf das Alltägliche , der sowohl theoretisch fundiert als auch praxisnah ist. Die Mannigfaltigkeit der Themen und die internationale Perspektive machen den Band so zu einem lehrreichen Nachschlagewerk. Mit Beiträgen von Grit Weber, Enrico Baleri, Anna Berkenbusch, Annette Bertsch, Tom Bieling, Gianluca Camillini, Giorgio Camuffo, Andrea Facchetti, Thomas A. Geisler, Claudia Gelati, Gesine Gold, Markus Hanzer, Oliver Kartak, Andreas Koop, Stefano Maffei, Matteo Moretti, Axel Müller-Schöll, Daniela Piscitelli, Kuno Prey, Peter Putz, Arno Ritter, Ursula Schnitzer, Erik Spiekermann, René Spitz, Karl Stocker, Sonja Stummerer, Martin Hablesreiter, Gerrit Terstiege, Uli Weidner, u.v.m.

Hans Leo Höger (Hg.) (2025):
Updating Roland Barthes’ Mythologies. Positionen aus Design, Architektur und Kunst
Paperback + E-Book.
Design Meanings III
Milano: Mimesis International
ISBN: 9-78886977494-2
276 Seiten, € 26,00

The program explores democracy not only as a form of government but as an aesthetic and lived form of collective life—through literature, art, film, media studies, history, and philosophy. It asks how practices, orders, and experiences shape democratic coexistence, and it trains early career researchers in an interdisciplinary environment.

Applicants must hold an excellent degree (Master’s or equivalent, completed by April 2026) in one of the participating fields: Comparative Literature, American Studies, Aesthetics, Film and Media Studies, German Studies, Art History, Modern History, Philosophy, Sinology, or Scandinavian Studies. Dissertations are usually interdisciplinary, supervised by at least two disciplines.

Doctoral researchers are expected to participate fully in the program, including residency and presence in Frankfurt/Darmstadt. Working languages are English and German (language support available).

Application documents: CV, certificates, two letters of recommendation, motivation letter, and a 10-page project proposal. Submit to: applications@aesthetics-of-democracy.de

Further information: www.aesthetics-of-democracy.de