https://www.designforschung.org/atom designforschung.org Feed designforschung.org Updates 2026-11-14T06:07:00+01:00 designforschung.org Team Looking back and ahead to the Future (Design Politics Assembly) urn:uuid:4949628d-4153-434e-8ec3-12725db03595 2026-11-14T06:07:00+01:00 On 14 November 2026, the historic Paulskirche in Frankfurt will become a meeting place for politics, public administration, academia, design, culture and civil society. The Design Assembly marks a significant moment in the journey of World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026 (WDC 2026): an opportunity to reflect on a year of ideas, collaborations and shared experiences, while looking ahead to the lasting impact design can have on the region.

At the heart of the gathering are the recommendations for the Design Action Plan Frankfurt RheinMain. The plan aims to translate the insights and experiences of WDC 2026 into concrete action, providing a framework for long-term structures and sustainable change across the region. Together, participants will explore how design can strengthen democratic processes, shape public spaces and contribute to a more inclusive and liveable future.

At 3:30 pm, the official welcome will be given by Dr. Ina Hartwig, Frankfurt’s City Councillor and Head of the Department of Culture and Science, alongside Carolina Romahn and Prof. Matthias Wagner K.

The first programme session, A Year at the Table, brings together the five project initiators Eleonora L. Herder, Maria Pozder, Petra Eisele, Anne Bartens and Prof. Roland Lambrette. In conversation with Barbara Lersch and Prof. Birgit Mager, they will reflect on the projects, encounters and developments that have shaped the WDC year.

The focus then shifts to the policy dimension of design. In Voices from the Policy Days, Prof. Dr. Felix Kosok and Dr. Anke Gründel will share their perspectives in a discussion with Svenja Bickert-Appleby, Rebecca C. Schmidt and Prof. Dr. Tom Bieling (BIRD / HfG Offenbach). The session will highlight the ideas and experiences emerging from the Design Policy Days and explore how design can become an integral part of political and administrative decision-making.

The evening programme turns towards the question of what remains after a year of intensive collaboration – and how its achievements can be carried forward. The second part begins with welcoming addresses by Kaweh Mansoori, Hessian State Minister, Mike Josef, Lord Mayor of Frankfurt, and Dr. Susanne Völker, Managing Director of Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

The legacy of World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026 will then take centre stage. Carolina Romahn will be joined by three representatives of civil society: Nicola Stattmann, Dominik Hofmann and Susanne Stöck. Together, they will reflect on the importance of the WDC legacy and the role that citizens and communities play in shaping lasting change.

A further highlight will be a digital keynote by transformation researcher Prof. Dr. Maja Göpel, offering perspectives on the challenges and opportunities ahead in 2027.

The conversation will continue with a roundtable bringing together key political and regional representatives. Hessian State Minister Kaweh Mansoori, Frankfurt’s Lord Mayor Mike Josef, Dr. Ina Hartwig, Mayor of Offenbach Andreas Bruszynski and Carolina Romahn will discuss the future of the region and the next steps towards turning the ambitions of the Design Action Plan into reality.

One of the most symbolic moments of the evening will be the Convocation Ceremony, marking the official handover of the World Design Capital title to Busan, South Korea, which will host WDC 2028. The ceremony will feature addresses by Chun Jae-soo, Mayor of Busan, Eunjeong Kim, Consul of the Republic of Korea, and Pradyumna Vyas, President of the World Design Organization (WDO). The handover connects Frankfurt RheinMain’s experiences and achievements with the next chapter of the international World Design Capital network.

The day will conclude with an informal gathering in the Wandelhalle of the Paulskirche, offering one final opportunity to connect, exchange ideas and celebrate the people and projects that have shaped WDC 2026.

As the World Design Capital title moves on to Busan, the Design Assembly provides an opportunity to celebrate what has been achieved in Frankfurt RheinMain while setting the foundations for what comes next…

14 November 2026, from 2:30 pm
Paulskirche, Frankfurt am Main

Further information: https://wdc2026.org/de/events/design-assembly

]]>
Wenn Bürokratie Architektur verändert urn:uuid:352edac7-fd5a-4e6a-87c2-a4c899aa9a85 2026-11-13T12:19:00+01:00 Bürokratie und Architektur werden gemeinhin als Gegensätze gedacht. Hier der kreative Entwurf, dort das Formular; hier das architektonische Genie, dort die Verwaltung. Architektur erscheint als schöpferischer Akt, Bürokratie als rationales System aus Regeln, Normen und Zuständigkeiten. Genau diese Trennung stellt die internationale Konferenz „Radical Bureaucracy: Architecture, Emancipation, Societal Change“ infrage. Vom 17. bis 19. Juni 2027 lädt das European Architectural History Network (EAHN) an die KTH School of Architecture in Stockholm ein, Bürokratie als einen zentralen, bislang vielfach unsichtbaren Bestandteil architektonischer Praxis und gesellschaftlicher Veränderung neu zu betrachten.

Ausgangspunkt ist eine Veränderung, die die Architekturgeschichtsschreibung schon seit längerem beschäftigt: Der traditionelle Kanon wird zunehmend aus Perspektiven betrachtet, die zuvor marginalisiert oder übersehen wurden. Dabei geht es nicht nur darum, andere Gebäude, Personen oder Bewegungen in die Geschichte aufzunehmen. Es geht um die grundlegendere Frage, was überhaupt als architektonische Arbeit gilt. Denn viele Kämpfe um gesellschaftliche Emanzipation fanden nicht allein im Entwurf oder im gebauten Projekt statt, sondern ebenso in Institutionen, Verwaltungen, Gesetzgebungsverfahren und Regelwerken. Wo Architektur bestimmte Gruppen nicht ausreichend repräsentierte, konnte Bürokratie zu einem alternativen Ort architektonischen Handelns werden.

Genau hier setzt der Begriff der „Radical Bureaucracy“ an. „Radical“ meint dabei das Streben nach gesellschaftlicher Veränderung; „bureaucracies“ bezeichnet regulatorische Techniken, die – häufig weitgehend unsichtbar – die gebaute Umwelt strukturieren und kontrollieren. Bauordnungen, Standards, Richtlinien, Genehmigungen, Verwaltungsverfahren oder institutionelle Routinen erscheinen zunächst als technische und administrative Instrumente. Tatsächlich entscheiden sie jedoch mit darüber, wer welche Räume nutzen kann, welche Bedürfnisse berücksichtigt werden und welche Formen des Zusammenlebens räumlich möglich werden.

Die Konferenz möchte Bürokratie deshalb nicht nur als Hindernis oder als notwendiges Übel betrachten. Sie schlägt vor, sie als einen möglichen Ort von Spekulation, Experiment und gesellschaftlicher Veränderung zu verstehen. Damit wendet sie sich gegen das klassische Bild, das Bürokratie und Kreativität voneinander trennt. Eine wichtige Referenz ist dabei Henry-Russell Hitchcocks Aufsatz The Architecture of Bureaucracy and the Architecture of Genius von 1947. Hitchcock stellte den „Bürokraten“ dem „Genie“ gegenüber und reproduzierte damit eine Vorstellung, die Architekturgeschichte bis heute prägt: Kreativität wird mit der individuellen architektonischen Persönlichkeit verbunden, Bürokratie mit rationaler und unpersönlicher Organisation. „Radical Bureaucracy“ fragt dagegen, was sichtbar wird, wenn man gerade innerhalb dieser scheinbar unpersönlichen Strukturen nach architektonischer Kreativität und politischer Handlungsmacht sucht.

Das ist auch deshalb interessant, weil Bürokratie keineswegs so geschlossen und rational funktioniert, wie ihr Ruf vermuten lässt. Die Konferenz knüpft an Forschungen an, die Bürokratien als widersprüchliche, veränderbare und politisch wirksame Systeme untersuchen. Die Rede ist von „guerillas in the bureaucracy“, von einer „irrational rationality“ oder von Formen einer Bürokratie, die Menschenrechte schützen, unterschiedliche kulturelle Werte aufnehmen und geschlechterinklusiver gestaltet werden kann. Besonders relevant ist dabei die Frage, wie politische Entscheidungen nicht einfach durch Behörden umgesetzt werden, sondern wie bürokratische Praktiken selbst Politik hervorbringen.

Für die Architekturgeschichte eröffnet das ein noch vergleichsweise wenig untersuchtes Feld. Zwar gibt es inzwischen eine Reihe von Arbeiten zur Beziehung zwischen Architektur und Bürokratie – darunter Arindam Duttas The Bureaucracy of Beauty, Erik Sigges Architecture’s Red Tape, Liam Ross’ „Creative Uncertainty“, Katie Lloyd Thomas’ Building Materials sowie verschiedene Konferenzen und Themenschwerpunkte zu Architektur und Bürokratie. Nach Ansicht der Veranstalter fehlt jedoch insbesondere eine intersektionale Perspektive, die Fragen von Geschlecht, Klasse und Race systematisch mit der Geschichte architektonischer Bürokratien verbindet.

Ein besonderer Akzent liegt deshalb auf emanzipatorischen Praktiken. Die Konferenz interessiert sich beispielsweise für die Geschichte von Menschen und Gruppen, die sich für neue Regelungen eingesetzt haben, um die gebaute Umwelt für diejenigen zu verändern, die vom traditionellen Bild des „normalen“ Bürgers ausgeschlossen wurden: Menschen mit Behinderungen, Frauen, Kinder oder Migrantinnen und Migranten. Auch die Geschichte von Disability-Aktivismus, Ergonomie, feministischen Praktiken und der Neuorganisation sozialer Reproduktion gehört in dieses Feld. Dabei kann die entscheidende architektonische Arbeit durchaus in einem Verwaltungsbüro, einer Behörde oder einem normativen Regelwerk stattfinden – und nicht auf dem klassischen Schauplatz des Architekturbüros.

Damit verschiebt sich auch der Blick auf das, was als architektonisches Dokument gilt. Die Veranstalterinnen und Veranstalter suchen ausdrücklich nach Arbeiten, die mit Originalarchiven arbeiten: Zeichnungen, Modelle, Berichte, digitale Medien, Protokolle oder andere Formen bürokratischer Dokumentation. Interessant sind ebenso Oral History, Witness Seminars und performative Methoden. Gefragt sind empirische Fallstudien, künstlerische Forschung und theoretische Beiträge. Die Beispiele können aus dem Globalen Süden ebenso wie aus dem Globalen Norden stammen und zeitlich weit zurückreichen oder sich mit jüngerer Geschichte beschäftigen.

Der Blick auf die Bürokratie beginnt dabei sogar noch früher – bei ihrer materiellen und sprachlichen Herkunft. „Bureau“ bezeichnete ursprünglich ein schweres, gewebtes Wolltuch aus Brügge, das zunächst zur Abdeckung eines Schreibtisches verwendet wurde. Aus dem Material wurde das Möbelstück und schließlich die Bezeichnung für Räume und Institutionen. Die Konferenz nimmt diese Entwicklung zum Anlass, den Begriff wieder auf das Machen und Herstellen zurückzuführen. Bürokratie soll nicht nur als abstrakte Verwaltung verstanden werden, sondern als eine Praxis, die mit Dingen, Räumen, Körpern, Beziehungen und Affekten verbunden ist. Die Frage lautet deshalb auch: Wie lassen sich bürokratische Prozesse selbst als eine Form architektonischen Herstellens begreifen?

Gerade in der Gegenwart bekommt diese Perspektive politische Bedeutung. Die Veranstalterinnen und Veranstalter verweisen auf eine Zeit der Deregulierung und einer abnehmenden räumlichen Demokratie. Wenn Bauordnungen, Standards und andere Regulierungen abgebaut oder neu organisiert werden, stellt sich die Frage, welche gesellschaftlichen Funktionen diese Regeln zuvor erfüllt haben. Was auf den ersten Blick als Befreiung von bürokratischen Zwängen erscheinen kann, kann gleichzeitig den Abbau von Schutzmechanismen und Teilhabemöglichkeiten bedeuten. Architekturgeschichte kann hier sichtbar machen, welche Rolle Regulierung in vergangenen Emanzipationsprozessen gespielt hat – und welche Erfahrungen heute in Vergessenheit geraten könnten.

Der Call for Papers ist entsprechend offen formuliert. Gesucht werden Beiträge über die räumlichen und ästhetischen Folgen bürokratischer Arbeit ebenso wie über Aktivismus innerhalb staatlicher Institutionen, Konflikte zwischen Architektur und Planung, feministische Praktiken, Nutzerbeteiligung, Full-Scale-Experimente oder die Rolle von Bürokratie bei gesellschaftlichen Transformationen. Ein weiterer Schwerpunkt liegt auf der Geschichte der heutigen Deregulierung und der Frage, wie sich die Veränderung von Bauvorschriften und anderen Regelsystemen historisch einordnen lässt. Möglich sind außerdem kürzere Position Papers für eine Roundtable-Diskussion, die den Begriff der „emanzipatorischen radikalen Bürokratie“ selbst theoretisch diskutieren.

Organisiert wird die Konferenz von Helena Mattsson, Professorin und General Chair an der KTH School of Architecture, gemeinsam mit Sara Brolund de Carvalho, Lecturer und PhD-Studentin an der KTH, und Meike Schalk, Professorin an der KTH School of Architecture. Dem Scientific Committee gehören darüber hinaus Isabelle Doucet von der University of Sheffield, Janina Gosseye von der Delft University of Technology und als EAHN-Mitglied, Elke Krasny von der Academy of Fine Arts Vienna, Jennifer Mack von der KTH School of Architecture, Erik Sigge von der LTH School of Architecture in Lund sowie Léa-Catherine Szacka von der University of Manchester und als EAHN-Mitglied an.

Wer selbst zu diesem Themenfeld forscht, kann bis zum 15. November 2026 einen Vorschlag einreichen. Gefordert werden ein Abstract von maximal 250 Wörtern und eine Kurzbiografie von 125 Wörtern pro Autorin oder Autor, zusammengefasst in einer PDF-Datei. Die Benachrichtigung über die Auswahl soll am 14. Dezember 2026 erfolgen. Die Registrierung ist vom 15. März bis 17. Mai 2027 vorgesehen; die Konferenz selbst findet vom 17. bis 19. Juni 2027 in Stockholm statt.

„Radical Bureaucracy“ ist damit mehr als eine Konferenz über Verwaltung. Der eigentliche Vorschlag ist ein Perspektivwechsel: Architektur entsteht nicht nur durch Entwürfe, Gebäude und einzelne Architektinnen und Architekten, sondern auch durch Regeln, Verfahren, Institutionen und Aushandlungen. Wer Architekturgeschichte aus dieser Perspektive schreibt, entdeckt eine politische und soziale Infrastruktur, die meist unsichtbar bleibt und dennoch tief in unseren Alltag eingreift.

Vielleicht liegt gerade darin die Radikalität des Begriffs: Nicht jede Veränderung der gebauten Umwelt beginnt mit einem neuen Gebäude. Manchmal beginnt sie mit einer neuen Vorschrift, einem geänderten Standard, einem Widerspruch gegen eine bestehende Regel – oder mit Menschen, die innerhalb einer Bürokratie darauf bestehen, dass andere Körper, andere Bedürfnisse und andere Formen des Zusammenlebens räumlich möglich werden.

Weitere Informationen und Einreichungen via info@radicalbureaucracy.com. Programm, Veranstaltungsorte sowie Teilnahmegebühren und Registrierung werden zu einem späteren Zeitpunkt über die Konferenzwebsite bekanntgegeben.

]]>
The Possible Book – Exploring the Dialogue of Type urn:uuid:da53d666-cead-446d-9284-790ae24d73a1 2026-11-12T15:16:00+01:00 From 12 to 14 November 2026, Muthesius University of Fine Arts and Design in Kiel will host the symposium “Dialog der Schrift – Das mögliche Buch”. Bringing together contributors from the fields of art, typography, literature, philosophy and the performing arts, the event explores the possibilities of the book as an artistic, cultural and intellectual medium.

At the heart of the symposium is the project The Library of Possible Books, which approaches the book as more than a traditional carrier of text. It opens up a space for experimentation, creative exchange and new ways of thinking about the relationship between language, typography, form and content. The symposium invites participants to consider how books can be imagined, designed and understood beyond established conventions.

The programme features an interdisciplinary group of twelve speakers and contributors. Among them are philosopher Hannes Böhringer, radio play director Iris Drögekamp, artist Jennifer Eckert, poet Oswald Egger, typographer and book designer Friedrich Forssman, typographer Jian Haake, theatre director Daniel Karasek, philosopher and theatre scholar Petra Maria Meyer, typographer Anika Mohr, artist Jürgen Partenheimer, literary scholar, translator and essayist Theresia Prammer, and typographer Christine Salmen. Their diverse perspectives create the foundation for a multifaceted dialogue on the book and its potential.

The opening on 12 November at 6 pm features welcoming addresses by Arne Zerbst, Annette le Fort and André Heers, followed by the launch of The Library of Possible Books I / II, published by Verlag für moderne Kunst in Vienna, alongside a preview of the third volume.

The symposium is organised by the Typography and Book Design department at Muthesius University of Fine Arts and Design, under the direction of Annette le Fort and André Heers. The wider project also includes the exhibition The Library of Possible Books, curated by Sven Christian Schuch, which presents approximately 500 experimental books and book objects created by students since 2010.

Over three days, the symposium will bring together diverse approaches to typography, artistic practice and literary thought. It offers an opportunity to reflect on the book not as a fixed format, but as an evolving medium shaped by imagination, experimentation and interdisciplinary collaboration.

Dialog der Schrift – Das mögliche Buch
12–14 November 2026

sp ce | Muthesius University of Fine Arts and Design
Andreas-Gayk-Straße 7–11
24103 Kiel, Germany

Opening and book launch
12 November 2026 at 6 pm

]]>
Design Policy Konferenz mit Pop-Up Ausstellung urn:uuid:ae49b020-9a86-495b-8f97-1087441ea649 2026-11-10T04:20:00+01:00 Drei Projekte aus der Ausstellung WAS WIR TEILEN werden am Donnerstag, 12. November, als Pop-up-Ausstellung im Rahmen des internationalen Symposiums WHEN FORM BECOMES ATTITUDE an der Hochschule für Gestaltung Offenbach präsentiert. Sie bringen Fragen nach geteilter Verantwortung, gesellschaftlicher Teilhabe und der politischen Dimension von Gestaltung in den Kontext einer internationalen Debatte über Design als Haltung.

Was bedeutet es, Verantwortung für den gemeinsam genutzten Raum zu übernehmen? Wo beginnt individuelles Engagement – und wo liegt die Verantwortung der öffentlichen Hand? Mit diesen Fragen beschäftigt sich unter anderem Sallar Shayegans Projekt “Schlaglochabguss” [1]. Für seine Arbeit verfüllte Shayegan – der zuletzt vor allem durch sein Projekt SOUNDHÄNGER (Shayegan 2025) in Erscheinung trat – Schlaglöcher im Offenbacher Stadtraum, um sie im Anschluss gleich wieder zu entfernen. Was zunächst wie eine pragmatische Form bürgerschaftlichen Engagements erscheint, entwickelt sich so zu einer Auseinandersetzung mit Zuständigkeiten, öffentlicher Verantwortung und den Grenzen individueller Initiative. Wer darf den öffentlichen Raum gestalten? Wem gehört er, und wer entscheidet darüber, was dort verändert werden darf?

Schlaglochabguss, Sallar Shayegan

Das Projekt ist Teil der Ausstellung WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben, die noch bis zum 12. November im Haus der Stadtgeschichte Offenbach zu sehen ist. Kuratiert von Tom Bieling und Susanne Wieland, versammelt die Ausstellung Arbeiten von Studierenden des Lehrgebiets Designtheorie der HfG Offenbach. Aus unterschiedlichen gestalterischen und forschenden Perspektiven untersuchen die Projekte, wie Räume gemeinsam genutzt werden können, wie unterschiedliche Interessen und Bedürfnisse aufeinandertreffen und welche Formen des Zusammenlebens daraus entstehen. Die Ausstellung ist Teil des WDC-Projekts Places of Democracy / Orte der Demokratie im Rahmen der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026, in Kooperation mit dem Klingspormuseum Offenbach (initiiert von Astrid Jäger und Monika Jäger).

WHEN FORM BECOMES ATTITUDE: Design als gesellschaftliche Position

Am Donnerstag, dem 12. November, werden drei Projekte aus WAS WIR TEILEN in einer Pop-up-Ausstellung an der HfG Offenbach präsentiert. Anlass ist das internationale Symposium WHEN FORM BECOMES ATTITUDE, das im Rahmen der World Design Policy Days stattfindet.

Das Symposium wird vom Lehrgebiet Designtheorie der HfG Offenbach (Bieling) gemeinsam mit dem BIRD – Board of International Research in Design und der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026 (WDC) veranstaltet. Im Mittelpunkt steht die Frage, wie Design angesichts gesellschaftlicher und politischer Herausforderungen Haltung beziehen kann. Unter dem Stichwort Partisan Design bringt das Symposium internationale Perspektiven auf die politische Dimension von Gestaltung zusammen. Diskutiert werden unter anderem die Rolle von Designer im öffentlichen Raum, die Grenzen und Möglichkeiten der Disziplin sowie das Verhältnis von Gestaltung, Verantwortung und demokratischer Teilhabe.

Zu den internationalen Keynote-Speaker:innen gehören Silvio Lorusso, Autor von What Design Can’t Do, der sich kritisch mit den Versprechen und Grenzen des Designs auseinandersetzt, Noemi Biasetton, Dozentin an der UNIRSM Design in San Marino und Autorin von SUPERSTORM – Design and Politics in the Age of Information, die über das Verhältnis von Design, Information und Politik spricht, sowie Tatjana Schneider von der TU Braunschweig (GTAS), die Perspektiven auf Architektur, Raum und gesellschaftliche Transformation einbringt.

Ergänzt wird das Programm durch Beiträge, Zine-Launches, Projektpräsentationen und Diskussionen mit unter anderem Crafted Liberation, Nila Rezai, Kiosk of Solidarity, Moritz Ahlert, Felix Egle, Maziar Rezai, Construct Lab, Tom Bieling, Felix Kosok, Uta Brandes, Marc Pfaff, Dr. Susanne Völker (Kulturfonds Frankfurt), Prof. Adrian Niessler (Präsident der HfG Offenbach), Prof. Johanna Siebein, Alexander Römer, Prof. Catrin Altenbrandt, Dominik Keggenhoff, DemokratieKioske, Maiken Laakmann oder Studio Pari Pari.

WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben
Bis 12. November 2026
Haus der Stadtgeschichte Offenbach, Erich Martin Raum, Grafische Sammlung, Herrnstraße 61, Eingang B, 2. Obergeschoss

verbunden durch die Pop-Up Ausstellung mit dem Symposium:

WHEN FORM BECOMES ATTITUDE
Donnerstag, 12. November 2026, 10:00–20:30 Uhr
Hochschule für Gestaltung Offenbach, Aula, Schlossstraße 31, Offenbach

Die Veranstaltung findet auf Englisch statt; eine automatische Simultanübersetzung ist verfügbar.

[1] Das Projekt “Schlagloch Abguss” von Sallar Shayegan entstand im Seminar »Gegenentwürfe – Politken des Designs« unter der Leitung von Prof. Dr. Tom Bieling im Sommersemester 2026 an der HfG Offenbach.

Shayegan, Sallar (2025): Soundhänger – Mobile Infrastructure for Spatial Sound Practices in Urban Environments. In: Bieling, T., Jonas, W. and Loschiavo dos Santos, M.C. (eds.) (2025) Community (&) Design: Material, Spatial, and Social Encounters. Sesto San Giovanni: Mimesis International. (Design Meanings, Vol. 4).

]]>
Design als Erkenntnispraxis – Perspektiven einer materiellen Philosophie urn:uuid:eb53546c-43b9-4b04-bac6-1c942919f28d 2026-11-09T04:58:00+01:00 Seit mehr als zwei Jahrzehnten widmet sich die BIRD-Reihe (Board of International Research in Design) der internationalen Designforschung. Ein besonderes Merkmal ist dabei die Verbindung von theoretischer Reflexion und konkreter Gestaltungspraxis. Die einzelnen Bände greifen Themen auf, die über althergebrachte Designgrenzen hinausweisen, und untersuchen beispielsweise, wie Gestaltung auf kulturelle, technologische und gesellschaftliche Veränderungen reagieren kann. Im Mittelpunkt stehen Fragestellungen, die Design als eigenständiges Forschungsfeld betrachten.

Frisch erschienen nun das Buch “Design as Inquiry” von Björn Franke, der darin Design als eine Form philosophischer Erkenntnis untersucht und argumentiert, dass Design insbesondere dann kritisch relevant wird, wenn es sich mit den materiellen und technologischen Strukturen auseinandersetzt, die unseren Alltag prägen. Design als eine Praxis des Fragens: eine Praxis, die Probleme neu fasst, Spannungen sichtbar macht und Ideen materialisiert, um sie überhaupt denk- und erfahrbar zu machen. Design – so einer der zentralen Standpunkte des Buches – kann demnach als eine intellektuelle Praxis begriffen werden, die sowohl unsere begrifflichen als auch unsere materiellen Horizonte erweitert.

Björn Franke: Design as Inquiry. Prospects for a Material Philosophy.
Basel: Birkhäuser (Reihe: BIRD Board of International Research in Design).
Oktober 2026, 388 Seiten, 48,00 EUR
ISBN 978-3-0356-3144-9 (Print)
978-3-0356-3145-6 (E-Book)

Infos Zur Buchreihe:
https://www.bird-international-research-in-design.org/books

]]>
NERD ∞ – New Experimental Research in Design (Call for Papers) urn:uuid:03065e4b-ebd0-4d96-88bf-7dd3aa3a827b 2026-11-06T09:44:00+01:00 The unique epistemic and innovative potential of Design Research is increasingly recognized across the academic landscape and is in growing demand from institutions, businesses, and policymakers alike. By bridging traditionally separate forms of practice and modes of knowledge, Design Research occupies a distinctive position – one that challenges clear disciplinary boundaries, formal conventions, and implicit assumptions about secured knowledge and linear progress in traditional research fields. Inherently, however, such a position can never be taken for granted, but faces its own characteristic pressures. At a moment when transdisciplinarity has become a much-advertised hallmark of most transformative research and agentic AI systems are being employed not only in the realization, but increasingly also in the very search for solutions to complex societal problems, it seems all the more necessary to reassert and imaginatively extend through concrete projects Design Research’s competence in navigating the space between different knowledges and between theory and transfer into practical application.

Embracing the inherent openness of Design Research as a strength, the New Experimental Research in Design (NERD) conferences serve as an inclusive platform for showcasing, discussing, and critically examining the diverse ways in which design’s unique perspectives and capabilities can be employed as a research competence. NERD welcomes contributions from researchers worldwide, spanning all areas of Design Research, with a particular focus on empirical and experimental projects that demonstrate originality – or even boldness – in their choice of topics and methodological approaches.
The conference’s emphasis on empirical and experimental work reflects our conviction that the discourse on the value and potentials of Design Research should be led by example: What constitutes an effective method or approach only becomes evident when put into practice. For this reason, NERD also does not adhere to any predefined topics or schools of thought, recognizing that the qualitatively new transcends established categories.

Developed and realized by BIRD – the Board of International Research in Design, which publishes the book series of the same name at Birkhäuser – as an annual event with changing venues, NERD has firmly established itself and proven its productivity as a conference format, now entering its eighth iteration.

NERD ∞

NERD ∞ will be hosted by the Faculty of Media at Kiel University of Applied Sciences a stone’s throw from the Kiel Fjord, in midsummer 2027. The event will feature a curated selection of 30-minute research presentations, each followed by 30 minutes for audience questions and in-depth discussion.

We invite submissions from advanced graduate students, doctoral candidates, and early-career postdoctoral researchers to present their ongoing research or completed theses. Contributions should demonstrate a well-conceived, design-based, and empirical or experimental approach and may engage with a wide range of socially, culturally, and intellectually relevant questions.

We take the attributes New and Experimental in NERD seriously – even if sometimes we ourselves can’t say exactly what they mean: if we could, they would probably no longer be new or experimental, but conventional and predictable instead. In other words, we want to be surprised – by bold, unconventional, humorous, even anarchic approaches that challenge expectations and push the boundaries of Design Research.

How to apply

To apply, please submit an extended abstract (1,000–1,500 words) detailing your research project or the specific aspect you wish to present. Submissions should be sent to bird@bird-international-research-in-design.org by January 31, 2027. All submissions will undergo a blind review process, and applicants will be notified of the outcome by March 15, 2027. The conference will be held in English.

Call for Papers
NERD ∞ – New Experimental Research in Design
(Kiel, Jul 1–2, 2027)
Kiel University of Applied Sciences
Faculty of Media
July 1–2, 2027

Deadline: January 31, 2027

https://www.bird-international-research-in-design.org/conferences

]]>
Stand Jetzt – Forschung aus Kunst und Design (Ringvorlesung im Klingspormuseum) urn:uuid:eb4067ce-58cd-4077-8e75-2810e934d4f3 2026-11-05T08:27:00+01:00 Mit “Stand Jetzt – Forschung aus Kunst und Design” startet der Promotionsbereich der HfG Offenbach ab dem Wintersemester 2026/27 eine öffentliche Ringvorlesung im Klingspor Museum Offenbach zu einzelnen Promotionsprojekten. Beginn der Reihe ist der 10. November2026 mit insgesamt drei Veranstaltungen im WS 26/27. Der Eintritt ist frei.

10.11.2026 18:30-20:00 Uhr
Sabine-Lydia Schmidt „Open Air - Vortrag & Zine-Launch zu Musikpavillon-Typologien in europäischen Luftkurorten“

Die Dissertation widmet sich der architektonischen, kulturellen und performativen Bedeutung von Musikpavillons in europäischen Kurorten. Als zentrale Elemente historischer Kurparks werden sie kunst- und architekturwissenschaftlich untersucht – mit Fokus auf ihre skulpturale Qualität, Nutzungsgeschichte und akustische Besonderheiten. Sabine Lydia Schmidt promoviert in der Kunstgeschichte an der HfG.

17.11.2026 18:30-20:00 Uhr
Anoushirvan Masoudi „Displaced Bodies and Noisy Memories. Amateur-Videokultur und Untergrundmedien im postrevolutionären Iran.“
Diese praxisbasierte Dissertation untersucht die Entstehung einer spezifischen vernakulären Amateur-Videokultur im postrevolutionären Iran der 1980er und 1990er Jahre. Nach der Revolution von 1979 etablierte die Islamische Republik ein rigides visuelles Regime der Sittsamkeit, verdrängte die Populärkultur der vorrevolutionären Zeit und regulierte die Sichtbarkeit des Körpers im staatlichen Fernsehen. Gleichzeitig zirkulierte innerhalb eines illegalen Untergrundnetzwerks geschmuggeltes VHS-Bootleg-Material mit Aufnahmen aus der Zeit des Schahs, Bollywood-Filmen sowie iranischem Exilfernsehen aus Los Angeles (Tehrangeles). Anoushirvan Masoudi promoviert in der Medientheorie an der HfG.

02.02.2027 18:30-20:00 Uhr
Rike Zöllner „Das Kostüm als Performance: inszenierte Verflechtungen von Körper, Raum, Bewegung und Materialität“
Die Arbeit untersucht Kostüme nicht nur als Beiwerk von Inszenierungen, sondern als aktive, performative Elemente mit dramaturgischem Potenzial. Im Fokus stehen sogenannte costume-led performances, in denen das Kostüm Ausgangspunkt und zentrales Gestaltungselement ist. Dabei werden traditionelle Rollen von Körper, Kleidung und Bühne hinterfragt, neue narrative und interaktive Möglichkeiten ausgelotet. Theoretisch und praktisch wird erforscht, wie Kostüme jenseits ihrer visuellen Funktion als eigenständige Träger von Sinn, Identität und Handlung wirken können – und wie sie innerhalb postdramatischer wie auch textbasierter Kontexte neue Formen von Erzählung und Inszenierung ermöglichen. Rike Zöllner promoviert in der Kunstgeschichte an der HfG.

Anmoderation: Prof. Dr. Tom Bieling
Organisation: Riccarda Weih, Prof. Dr. Tom Bieling, Dr. Dorothee Ader (Klingspormuseum)
Plakat: Mignon Vahl.

]]>
Gestaltung für das 21. Jahrhundert urn:uuid:0cc267ba-0ac7-475b-871e-812ea2ce0f6f 2026-11-04T21:15:00+01:00 Gestaltung prägt, wie Menschen ihre Umwelt wahrnehmen, welche Identitäten sichtbar werden und wie Gemeinschaft entsteht. Dabei bewegt sie sich im Spannungsfeld zwischen individuellem Ausdruck und gesellschaftlichen Erwartungen. Doch wie beeinflussen Design, Kunst und Medien unser Zusammenleben? Und wie können sie unterschiedliche Perspektiven sichtbar machen und neue Formen der Zugehörigkeit ermöglichen? Damit beschäftigt sich das Kurt-Schwitters-Symposium 2026, das am 5. und 6. November unter dem Motto „Wie gestalten wir das 21. Jahrhundert?“ an der Hochschule Hannover stattfindet.

Am Donnerstag, 5. November, eröffnen Katrin Brümmer und Martin Scholz die Veranstaltung. Den Auftakt bildet „The Pavilion of Transient Belonging/s“ von Jaspar Joseph-Lester, Josie Kane, Ben Judd, Antonia Low und Friedrich Weltzien. Es folgen Bettina Meyer mit „Macht Raum“, Diana Weis mit „Gesichter für den Algorithmus – Beauty-Kultur, Normierung und Normalisierung in den sozialen Medien“ sowie Sarah Lüdemann, bekannt als Beauham, mit „Körperung. Der Körper als Prozess in der polymorphen modularen Skulptur“. Anschließend spricht Anna Unterstab über „Schwesterlichkeit und Komplizinnenschaft: Design für Gemeinschaft“. Espen Wehmann beleuchtet mit „Queerfreundliche Vorstellungswelten – Potential und Grenzen widerständiger Vorstellungen in verbreiteten Games“ queere Perspektiven in digitalen Spielwelten. Susanne König-Beller widmet sich in „‚Jeder anders?’ – Die Gestaltung von Werbung zwischen Individuum und Zielgruppe“ gesellschaftlichen Bildern in der Werbung. Den Abschluss des inhaltlichen Programms bildet Martin Scholz mit „Filme bilden Gemeinschaft!?“. Eine von Katrin Brümmer moderierte Gesprächsrunde beendet den ersten Veranstaltungstag um 17 Uhr.

Am Freitag, 6. November, wird das Symposium fortgesetzt. Als Namensgeber steht Kurt Schwitters (1887–1948), ein bedeutender Vertreter der künstlerischen Avantgarde, für eine experimentelle Kunst, die traditionelle Grenzen zwischen Kunst und Alltag infrage stellte. An diese Offenheit knüpft die Veranstaltung an: Die von der Fakultät III der Hochschule Hannover ausgerichtete Reihe bringt wissenschaftliche Reflexion, künstlerische Positionen und gestalterische Praxis zusammen.

]]>
Imag(e)ining Futures urn:uuid:7d8226a2-b2db-4f49-82a4-5805cc89d933 2026-11-03T16:22:00+01:00 Wie stellen wir uns die Zukunft vor – und welche Rolle spielt Gestaltung dabei? Mit diesen Fragen beschäftigt sich das Symposium „Imag(e)ining Futures“, das am 5. und 6. November 2026 an der Fakultät Gestaltung der Technischen Hochschule Würzburg-Schweinfurt (THWS) stattfindet.

Im Mittelpunkt stehen Zukunftsbilder und ihre Bedeutung für Design, Gesellschaft und Transformation. In Vorträgen, Diskussionen und Workshops geht es unter anderem um künstliche Intelligenz, Nachhaltigkeit, spekulatives Design, Prototyping und neue Formen visueller Kommunikation.

Zu den Speakern zählen unter anderem Prof. Dr. Gerhard Schweppenhäuser, Malin Schulz (DIE ZEIT), Prof. Dr. Eileen Mandir, Prof. Andreas Muxel, Markus Turber vom Intuity Media Lab, Prof. Dr. Susanne Ritzmann (KHK, Kassel) sowie Prof. Sydney Craig und Nicholas Witten von der Indiana University. Ergänzt wird das Programm durch weitere Beiträge aus Design und Forschung.

Ein besonderer Bestandteil ist die begleitende Ausstellung „Imag(e)ining Futures“ mit Arbeiten von Studierenden der Fakultät Gestaltung. Damit verbindet die Veranstaltung theoretische Perspektiven mit konkreten gestalterischen Positionen.

Die Veranstaltung ist eine Initiative im Rahmen des Forschungsclusters des Verbunds der Designfakultäten des Freistaats Bayern D:BY und wird von bayern design sowie der Sparkasse Mainfranken Würzburg unterstützt. Die Teilnahme ist für THWS-Angehörige und externe Studierende kostenlos. Für externe Teilnehmer kostet ein Tagesticket 25 Euro, die Tagesverpflegung zusätzlich 12 Euro. Eine Anmeldung ist erforderlich.

Veranstalter: Fakultät Gestaltung der THWS
Organisation: Dr. Beatrice Barrois, Prof. Johanna Diehl, Prof. Carl Frech, Prof. Judith Glaser, Julian Moder, Prof. Erich Schöls und Samira Wirtz

Fakultät Gestaltung der THWS
Sanderheinrichsleitenweg 20, 97074 Würzburg

Weitere Informationen, das vollständige Programm und die Anmeldung:
fg.thws.de/aktivitaeten/imageining-futures/

]]>
My Framed New World urn:uuid:d04a8d96-c116-4f5a-abf4-8a97cdfc70f1 2026-10-30T04:39:00+01:00 Florian Albrecht-Schoeck’s work begins with an artistic decision: Florian Albrecht-Schoeck has stopped taking new photographs. Not because he is turning away from photography. His practice continues to draw on an extensive photographic archive he has built up over many years. Yet nothing new is added to this collection for the time being — at least not in the conventional sense of photography, in which someone points a camera at something and presses the shutter.

This decision has a political dimension. Faced with a present marked by violence and social developments that he no longer wishes simply to document photographically, the act of no longer taking photographs becomes an artistic gesture in its own right. But the end of photographing does not mean the end of photographic images. The act of capture comes to a halt, while the existing material continues to evolve.

Working with his existing photographs, Albrecht-Schoeck develops his own systems and engages deeply with machine-learning processes. His work is based on open-source models that he further develops in response to his artistic questions and trains using his own material. For him, artificial intelligence is a tool whose underlying conditions he understands and deliberately shapes. Image generation is not left to a black box. At the same time, photography repeatedly reasserts itself: generated images are transferred onto photographic media or themselves become the subject of a new photographic image.

Albrecht-Schoeck’s work is self-reflexive on several levels. It interrogates the medium of photography, its technical conditions and its relationship to reality — while repeatedly turning the same scrutiny on the artist himself. Albrecht-Schoeck becomes a figure within his own images, multiplying and transforming himself. He appears as a man or a woman, as a child, an adult or an elderly person, inhabiting different identities and historical roles. His own image thus becomes material for an exploration of individuality, identity and the question of what an image can still claim to attest to.

At the same time, Albrecht-Schoeck (HfG Offenbach) moves between a wide range of visual languages. He quotes and layers styles, historical imagery and aesthetic codes, developing a distinctly individual visual language of his own. Much initially seems familiar, yet the longer one looks, the stranger it becomes. A particular sense of the uncanny emerges — a kind of uncanny valley that extends beyond individual bodies and faces to encompass entire visual worlds. Humour, exaggeration and absurdity are just as integral to the work as its critical engagement with media and its political dimensions.

Opening Reception
30 October 2026, 7 pm
Introduction by Dr Katrin Weleda

Opening Hours
Thursday & Friday, 4–7 pm
Saturday, 12–3 pm

Raum für Kunst der Darmstädter Sezession
Luisenstraße 16, 64283 Darmstadt

]]>
Research in Progress (Doctoral Colloquium) urn:uuid:6eaeead2-3cb0-42d2-a17f-f699f8c998c3 2026-10-29T22:19:00+01:00 On October 30, 2026, HfG Offenbach will host its Large Doctoral Colloquium in an online format. The event brings together doctoral researchers to present and discuss the current state of their dissertation projects, share ideas, and receive feedback from fellow researchers and supervisors.

Poster: Mignon Vahl

Moderated by Prof. Dr. Tom Bieling, this edition features four contributions addressing a diverse range of questions at the intersections of design, media, art, architecture, and society. Niklas Schmidt presents his research under the title “Unbestimmtheitsstellen in der Produktsprache”, addressing the question of indeterminacy in product language. His contribution invites reflection on ambiguity and the ways in which products communicate meaning. Anoushirvan Masoudi presents “Displaced Bodies and Noisy Memories: Amateur Video Culture and the Aesthetics of Ordinary Bodies in Post-Revolutionary Iran”. His project focuses on amateur video culture in post-revolutionary Iran, bringing questions of visual representation, ordinary bodies, and memory into view. Romeo Bottiglia contributes “Autonomy and Inoperosità: Towards a Negative Theory of the Political in the Work of Art and Its Relation to Architectural Practices”. The project explores the concepts of autonomy and inoperosità in relation to the political dimensions of art and their connection to architectural practices. Marcel Dickhage presents “Arbeit und Subjektivierung und ihre Un/Sichtbarkeit”, focusing on the relationship between labour, subjectivation, and visibility. The contribution brings these interconnected concepts into the broader context of his doctoral research.

Held once or twice a year as an intensive block event, the colloquium provides a platform for presenting research in progress, whether through project presentations, text excerpts, or discussions of key research questions and findings. Beyond academic exchange, it fosters connections across research fields and strengthens the community of doctoral researchers at HfG Offenbach.

The link to this years online event room can be requested by emailing promovieren(at)hfg-offenbach.de.

]]>
WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben (Ausstellung) urn:uuid:9b576ae8-a125-471e-9df8-9d5c6553b03d 2026-10-29T10:07:00+01:00 Wie gestalten wir das Zusammenleben, wenn unterschiedliche Interessen, Bedürfnisse und Lebensweisen aufeinandertreffen? Diese Frage steht im Mittelpunkt der Ausstellung „WAS WIR TEILEN“, die heute im Haus der Stadtgeschichte Offenbach feierlich eröffnet wird. Sie lenkt den Blick auf Demokratie als etwas, das nicht allein in politischen Institutionen stattfindet, sondern sich auch im alltäglichen Miteinander entfaltet. Öffentliche Plätze, Straßen, Gebäude und andere gemeinsam genutzte Räume sind Orte, an denen Gemeinschaft entsteht, Unterschiede sichtbar werden und das Zusammenleben immer wieder neu ausgehandelt wird (Bieling et al. 2025a).

Doch die Bedingungen für solche Begegnungen verändern sich. Digitalisierung, Privatisierung und Kommerzialisierung beeinflussen, wo und wie Menschen zusammenkommen. Zugleich teilen wir unsere Lebensräume nicht nur mit anderen Menschen, sondern auch mit Tieren, Pflanzen, Mikroorganismen und technischen Systemen. Damit stellen sich grundlegende Fragen: Wem gehört der gemeinsame Raum? Wer oder was darf dazugehören? Und wie lässt sich ein Zusammenleben gestalten, das unterschiedliche Bedürfnisse berücksichtigt und neue Formen der Verbindung ermöglicht?

Die Ausstellung „WAS WIR TEILEN“ nähert sich diesen Fragen aus der Perspektive der Designforschung. Kuratiert von Tom Bieling und Susanne Wieland, versammelt sie studentische Arbeiten aus dem Lehrgebiet Designtheorie der HfG Offenbach. Die vorgestellten Projekte untersuchen, wie Gestaltung dazu beitragen kann, gewohnte Sichtweisen zu hinterfragen und das Teilen als gemeinschaftliche Aufgabe zu verstehen (Bieling et al. 2025b). Im Mittelpunkt stehen dabei die Suche nach Gemeinsamkeiten, die Übernahme von Verantwortung und das Experimentieren mit neuen Formen des Zusammenlebens.

Die Ausstellung vereint Arbeiten aus fünf Seminaren: »Demokratie als Raum – Zur Topologie demokratischer Praxis«, »Gegenentwürfe – Politiken des Designs«, »Sympoietic Design – Koexistenz entwerfen«, »Pro und Contra – Design als Debatte«, »Design und Gemeinschaft«. Ergänzt werden sie durch Diplomprojekte sowie Bachelor- und Masterarbeiten aus dem Lehrgebiet Designtheorie von Prof. Dr. Tom Bieling.

Gezeigt werden Arbeiten von Fabian Arnold, Franka Bahlke, Noa Becker, Yasmine Ben Moussa, Paul Berger, Anton Birke, Christopher Bischoff, Devin Can, Xenia Christoph, Mi Düver, Kosmas Ftoulis, Sofia Gal, Lukas Gall, Simon Hanke, Fritz Held, Hannah Heruday, Antonia Hinderegger, Gerrit Hülsmann, Fionn Husemann, Alexej Kosin, Lukas Lange, Lennard Ludig, Clara Maldener, David Martin Maurer-Laube, Zachary Mentzos, Mark Mittasch, Fuheng Nan, Marie-Josefine Pavesi, Svea Marlen Rauch, Lorenz Recken, Simon Schmidt-Meinzer, Mia Schreiber, Carola Schulz, Sallar Shayegan, Anna Stashko, Jean-Luc Klaukien, Anna Koitschev und Konstantin Illi.

„WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben“ wird im Rahmen des WDC-Projekts „Places of Democracy / Orte der Demokratie“ präsentiert. Das Projekt wurde von Astrid Jäger und Monika Jäger in Zusammenarbeit mit dem Klingspormuseum und dem Haus der Stadtgeschichte initiiert. Unterstützt wird es vom Land Hessen, der Stadt Frankfurt am Main und dem Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben

Vernissage: Donnerstag, 29. Oktober, um 18 Uhr
Ausstellung: 30. Oktober bis 12. November 2026
Haus der Stadtgeschichte, Offenbach
Erich Martin Raum, Grafische Sammlung
Herrnstraße 61, Eingang B, 2. Obergeschoss

Plakat: Susanne Wieland
Foto: Sofia Gal

Bieling, T., Jonas, W. and Loschiavo dos Santos, M.C. (Eds.) (2025a): Community (&) Design: Material, Spatial, and Social Encounters. Mimesis International.

Bieling, T., Brandes, U., Christensen, M. and Jonas, W. (Eds.) (2025b): Nutzen statt Besitzen: Michael Erlhoff Revisited. BIRD Board of International Research in Design, Basel: Birkhäuser.

]]>
From Historic Manufactory to a Laboratory for the Future urn:uuid:594c0d16-b7c9-4957-8b9c-994fb9a733ee 2026-10-24T04:40:00+02:00 Founded in 1746, the Höchster Porzellan-Manufaktur (HPM) has a history shaped by craftsmanship, artistic innovation and repeated transformation. As the second-oldest porcelain manufactory in Germany, it has played an important role in the country’s ceramic heritage. Today, HPM is entering a new chapter: since 2023, it has been part of the Hochschule für Gestaltung Offenbach (HfG) as a teaching and research site, where traditional production knowledge meets contemporary art, design and material research.

On 24 October 2026, HPM celebrates its 280th anniversary with a Tag der offenen Manufaktur. Visitors will have the opportunity to explore the manufactory’s history, discover current projects by HfG students and experience how a historic production site is being reimagined as a space for experimentation and research.

From Historic Manufactory to Contemporary Research Site

The story of HPM began when the Mainz Elector and Archbishop Johann Friedrich Karl von Ostein granted the founding privilege for a porcelain manufactory in Höchst in 1746. In the following decades, it developed into an important centre of European porcelain production. Among the artists associated with its early history was Johann Peter Melchior, who became model master in 1766 and created figurative designs that remain central to the manufactory’s artistic legacy.

The manufactory’s history was not without interruption. Political upheavals during the French Revolutionary Wars brought production to an end, and HPM was officially dissolved in 1796. Its legacy nevertheless survived through historical figures, moulds and designs. Production resumed in 1947, and the manufactory continued to evolve over the following decades, combining its historical identity with contemporary design.

A fundamental change came in 2023, when the HfG Offenbach took over the manufactory under a new concept. The aim is no longer simply to preserve a traditional production process, but to develop HPM as an interdisciplinary environment for teaching, research and artistic practice. Its historical moulds, tools, production facilities and specialist knowledge provide a unique foundation for exploring how established craftsmanship can inform new approaches to materials and manufacturing.

At the heart of this approach is the conviction that heritage and innovation are not opposites. Traditional porcelain production involves highly specialised knowledge of modelling, mould-making, casting, firing and surface finishing. Much of this knowledge is acquired through practice and experience. By preserving these skills while connecting them with digital manufacturing, ceramic 3D printing, robotics and experimental design methods, HPM creates opportunities for new forms of research. Its archive, too, becomes more than a repository of historical objects: it provides a starting point for investigating materials, techniques and forms across different periods.

HPM 1746 (Entwurf: Timo Lenzen).

Material Research, Artistic Practice and New Possibilities

Two complementary approaches to this work are represented by the Institute for Material Design (IMD), headed by Prof. Dr. Markus Holzbach, and the Ceramic Art Lab (CAL), led by artist and educator Merja Herzog-Hellstén.

Holzbach, Professor of Material Design at the HfG Offenbach since 2009, investigates the relationship between materials, form and manufacturing processes. At the Institute for Material Design, material is understood not simply as a resource to be shaped, but as an active part of the design process. The institute combines analogue craftsmanship with digital methods and explores how material properties, structures and technical possibilities can generate new forms. At HPM, this approach opens up a dialogue between the precision and experience of traditional porcelain production and emerging technologies, making material design an important part of the manufactory’s research activities.

The Ceramic Art Lab, led by Merja Herzog-Hellstén, approaches ceramics from an artistic and spatial perspective. A Finnish-born artist, curator and educator, Herzog-Hellstén has taught at the HfG since 2017. Her practice includes concept-based mixed-media installations and site-specific sculptures, exploring the relationship between material, object and space. At CAL, students from Art and Design experiment with ceramic materials, surfaces, sculptural forms and different production techniques. Ceramics becomes not only a craft or a means of creating functional objects, but also a medium for artistic inquiry and conceptual expression.

Together, the IMD and CAL demonstrate the breadth of HPM’s contemporary identity. While Holzbach’s work focuses on material research, form and manufacturing, Herzog-Hellstén explores the artistic and spatial potential of ceramics. Both approaches rely on experimentation and direct engagement with materials. Their proximity to the manufactory’s production facilities enables students, artists, designers and researchers to work alongside experienced specialists, bringing different forms of knowledge into dialogue.

The international HPM Residency Programme extends this approach beyond the university. Supported by the Aventis Foundation and the Crespo Foundation, the programme invites artists to engage intensively with porcelain and explore its possibilities at the intersection of art, technology and material culture. Access to the manufactory’s facilities and specialist expertise allows residents to develop experimental projects while contributing new perspectives to HPM’s evolving research environment.

The 280th anniversary therefore marks more than a milestone in the history of a historic manufactory. It highlights a transformation in which historical craftsmanship becomes a resource for contemporary research and creative practice. HPM is increasingly a place where knowledge is preserved by putting it to work — through experimentation, collaboration and the development of new approaches to materials and production.

Open Manufactory Day: 24 October 2026

The Tag der offenen Manufaktur offers visitors a chance to experience this transformation first-hand. From 11 am to 6 pm, exhibitions will present work from the Institute for Material Design, the Ceramic Art Lab and the HPM Residency Programme. The displays bring together designs, concepts, artistic ceramics and experimental projects, offering insights into the different ways in which porcelain and other materials can be explored today.

Guided tours at 12 noon and 3 pm will take visitors through 28 stations spanning 280 years of HPM history. They will offer insights into processes such as model and mould making, archiving, modelling, painting and firing. At 2 pm, historian Konstantin Lannert, curator of the new Bolongaro Museum, will give a lecture exploring HPM’s history through selected objects.

After 280 years, the story of Höchst porcelain is far from finished. Its future lies in the productive encounter between historical knowledge and new ideas, between craftsmanship and technology, and between art and research. By bringing these fields together, HPM is transforming its heritage into a living resource for the next generation of makers, artists and researchers.

Tag der offenen Manufaktur
24 October 2026, 11 am–6 pm
Höchster Porzellan-Manufaktur (HPM)
Palleskestraße 32, 65929 Frankfurt-Höchst, Germany

Holzbach, Markus & Tom Bieling: Material (&) Design – Research through Materialdesign. Mimesis International, Milano. [in print / to be published in Winter 2026]


]]>
Rethinking Bodies – Design beyond Norms urn:uuid:0f76bd6b-1d3b-4e68-933e-6663c1254a22 2026-10-23T08:04:00+02:00 Design does not only shape objects, but also relationships between bodies, spaces, and their environments. It influences which forms of movement, perception, and temporality are taken for granted, and which bodies are considered the norm. Now, what ideas of bodies and abilities does design reproduce — and which ones remain invisible? In this sense, design contributes to the production of social norms while also offering possibilities to question and challenge them.

Drawing on perspectives from Crip Theory, Disability Justice, and critical approaches to Inclusive Design, F9 – powered by 1822 & HfG invites students and graduates of the Department of Design at HfG Offenbach to submit work that explores bodies beyond normative assumptions and examines the relationships between bodies, things, spaces, and social conditions.

Writers and scholars such as Alison Kafer and Aimee Hamraie describe disability not as an individual characteristic, but as a category that emerges through its interaction with social, spatial, and material conditions. From this perspective, the focus of design also shifts. The question is no longer simply how bodies can adapt to existing environments, but rather which ideas of bodies and abilities design itself presupposes — and what possibilities emerge when accessibility, care, and interdependence become starting points for design processes.

F9 Art Space (founded by HfG Offenbach, located in Frankfurt Main) is looking for projects from the Department of Design at HfG Offenbach that engage with prosthetics, orthotics, assistive systems, adaptive tools, accessible interfaces, inclusive products, material experiments, or alternative technologies. It also welcomes work that critically examines ideals of functionality, efficiency, optimization, and repair, or that develops new ideas of embodiment, care, dependency, and collective accessibility.

The Open Call also welcomes work that does not directly address disability as its subject. What matters is that the work engages with questions of normalization, standardization, access, temporality, or the relationships between bodies and their environments. We welcome completed projects as well as prototypes, artistic positions, processes, research, and speculative designs.

The exhibition understands design as a cultural practice that does not merely reflect social ideas about bodies, but actively helps produce them. It aims to create a space in which design can become a means of critical inquiry and in which new ideas of accessibility, connectedness, and ways of living together can be explored.

Possible questions include:
. What kinds of bodies does design assume, and which bodies are consequently rendered invisible?
. How can prostheses or technologies be understood as extensions, translations, or autonomous forms of embodiment?
. What role can care and interdependence play in the design process?
. How does design change when accessibility is understood not as an afterthought or adaptation, but as a starting point?
. What alternative ideas of functionality or temporality can be imagined through design?

Who can apply?
The Open Call is exclusively open to students and graduates of the Department of Design at HfG Offenbach. Students must be enrolled in the Department of Design and have completed at least their 5th semester at the time of application. Graduates are eligible to apply if they completed their degree no more than two years ago.

Selection
Several positions will be selected for the exhibition. The selection will focus on works that offer different perspectives on the questions raised by the Open Call and that can enter into dialogue with one another. The aim is to provide a multifaceted insight into current design practices and critical approaches at HfG Offenbach.

What can be submitted?
You may submit completed projects as well as prototypes, material experiments, artistic positions, processes, research, or speculative designs. Works that are still in development and can be further developed before the exhibition are also welcome.

Accompanying programme
In addition to works for the exhibition, we also welcome ideas for an accompanying programme — including concepts for events, workshops, talks, screenings, or other formats that expand upon or deepen the themes of the exhibition.

Application
Please submit the following materials as a PDF:

Portfolio
A short concept statement (max. one page) explaining how the submitted work relates to the Open Call, or outlining how the work could be further developed in the context of the exhibition.

Email: f9@hfg-offenbach.de
Subject: Open Call Design
Deadline: 25 October 2026

The Open Call is an invitation to collectively consider which ideas of bodies are produced through design and how these ideas can be shifted. The exhibition aims to become a shared space for working and thinking, where different design positions can enter into dialogue and open up new perspectives on bodies, accessibility, and living together in society.

Exhibition

Opening: 15 January 2027
Duration: 16 January – 27 February 2027
Location: F9 – Exhibition Space of HfG Offenbach
Fahrgasse 9, 60311 Frankfurt

]]>
Singen als soziale Praxis – Wenn Stimmen Gemeinschaft gestalten urn:uuid:8078b834-8bd5-4a81-9496-5f3788ea3bf2 2026-10-22T04:38:00+02:00 Mit dem Projekt Singen als soziale Praxis untersuchen Clara Maldener und Anouk Schmelz das gemeinsame Singen als Möglichkeit, Begegnung und Gemeinschaft zu gestalten. In einer Reihe offener Singsessions in Frankfurt und Offenbach laden sie Menschen dazu ein, ihre Stimme einzubringen und gemeinsam Klang zu erzeugen. Im Mittelpunkt steht dabei zwar auch das musikalische Ergebnis, insbesondere jedoch der soziale Prozess: das Zuhören, das Aufeinander-Eingehen und das Erleben, Teil einer Gemeinschaft zu sein.

Das Projekt versteht Singen als eine niedrigschwellige Form der Teilhabe. Die eigene Stimme ist ein unmittelbares Ausdrucksmittel, das jeder Mensch mitbringt. Gemeinsames Singen mag hier soziale Unterschiede überbrücken, neue Begegnungen ermöglichen – vielleictha uch Räume schaffen, in denen Menschen miteinander in Kontakt treten.

Untefüttert durch räumliche Anordnungen und Konstellationen oder meterlangen Textblättern, die nur gemeinsam gehalten werden können werden die Singsessions zu gestalteten Situationen, in denen durch die bewusste Schaffung eines offenen Zugangs Formen der Zusammenkunft erprobt werden. Dabei wird nicht vorgegeben, wie Gemeinschaft auszusehen hat. Vielmehr entsteht sie im gemeinsamen Tun – durch Stimmen, Rhythmen, Zuhören und gegenseitige Aufmerksamkeit. Die Gestaltung liegt somit nicht allein bei den Projektinitiatorinnen, sondern auch bei den Menschen, die teilnehmen und den Prozess mit ihren Stimmen und ihrer Präsenz prägen.

Im Kontext der World Design Capital Frankfurt RheinMain 2026 eröffnet das Projekt eine Perspektive auf Design als gesellschaftliche Praxis. Betreut wird es als freies Vorhaben von Prof. Peter Eckart und Prof. Dr. Tom Bieling (HfG Offenbach).

]]>
Fashion und Faschismus urn:uuid:3ddd2cfa-d284-4382-ab6a-c6283617b41d 2026-10-21T21:28:00+02:00 Was Menschen tragen, wie sie sich präsentieren und welche ästhetischen Codes sie verwenden, ist nie völlig losgelöst von gesellschaftlichen Entwicklungen. Gerade im digitalen Raum wird Mode zunehmend dazu genutzt, politische Identitäten sichtbar zu machen, Gemeinschaften zu formen und Botschaften zu verbreiten. Doch was geschieht, wenn sich rechtsextreme Bewegungen dieser ästhetischen Mittel bedienen?

Mit dieser Frage beschäftigt sich die Kulturwissenschaftlerin Elke Gaugele am Donnerstag, 22. Oktober 2026, um 18:30 Uhr am Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik in Frankfurt. Ihr Vortrag «Fashion und Faschismus – oder welche Rolle spielt Mode für die Demokratie?» durchleuchtet, wie rechtsextreme Ideologien längst nicht mehr ausschließlich über politische Programme oder klassische Propaganda vermittelt werden, sondern auch über Bilder, Stil, Marken, Kleidung und digitale Plattformen ihren Weg in den Alltag finden.

Gaugele untersucht, wie sich im Zuge eines neuen, digitalen Faschismus ein rechtsextremes Modenetzwerk entwickelt hat – und welche Ästhetiken, ökonomischen Strukturen, Plattformen und Strategien dabei eine Rolle spielen. Dabei richtet sich der Blick nicht nur auf Deutschland, sondern auf internationale Zusammenhänge.

Mode wird so zu einem Medium politischer Kommunikation: Sie kann Zugehörigkeit signalisieren, Grenzen zwischen «Wir» und «den Anderen» markieren und Ideologien über ihre ästhetische Oberfläche normalisieren. Gerade diese scheinbare Alltäglichkeit macht das Thema relevant. Denn politische Botschaften müssen nicht immer als solche erkennbar sein, um Wirkung zu entfalten.

Der Vortrag will sich jedoch nicht mit der Analyse rechter Strategien zufriedengeben. Denn dieselben gestalterischen und ästhetischen Möglichkeiten, die für politische Vereinnahmung genutzt werden können, lassen sich auch für demokratische Gegenwehr einsetzen. Designer:innen und zivilgesellschaftliche Initiativen entwickeln eigene Formen des Widerspruchs und setzen Mode bewusst ein, um sich gegen die Verbreitung und Normalisierung rechter Ästhetiken zu positionieren.

Gaugele ist empirische Kulturwissenschaftlerin und Professorin für Moden und Styles an der Akademie der bildenden Künste Wien, wo wie das Forschungsprojekt «Fashion and the Far Right: The New Complexity in Style» leitet. Zu ihren internationalen Publikationen gehören unter anderem Fashion and Postcolonial Critique und Aesthetic Politics in Fashion. Ihre Monografie Fashion und Faschismus. Zur Ästhetik neurechter Gewalt erscheint 2026.

Der Abend ist Teil der Reihe Thinking Design, mit der das Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik Gestaltung als ästhetische, materielle und soziale Praxis untersucht.

Fashion und Faschismus – oder welche Rolle spielt Mode für die Demokratie?
Donnerstag, 22. Oktober 2026
18:30–20:00 Uhr
Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik
Grüneburgweg 14, 60322 Frankfurt am Main
Vortrag in englischer Sprache

]]>
WHAT WE SHARE – Design Research on Space and Coexistence (Exhibition) urn:uuid:9fb86b4b-07a2-4fb5-85c3-9bd38f126997 2026-10-15T04:51:00+02:00 How do we share space when different interests, needs, and ways of life intersect? Democracy does not take place solely within political institutions. It also emerges wherever people come together and negotiate how they want to live. Public squares, streets, buildings, and other spaces of everyday life are also spaces of democratic practice — places where communities take shape (Bieling et al. 2025a), differences become visible, and the terms of living together are (re-)defined.

Yet these spaces cannot be taken for granted. Digitalisation, privatisation and commercialisation are transforming where and how we encounter one another. At the same time, we share our environment not only with other human beings, but also with animals, plants, microorganisms and technological systems. What does it mean to share space? Who or what is allowed to belong? And how can we develop ways of living together that take different interests into account and enable new forms of connection?

The exhibition “WAS WIR TEILEN” (WHAT WE SHARE), curated by Tom Bieling and Susanne Wieland, brings together projects by students at the Offenbach University of Art and Design (HfG Offenbach), developed within the teaching field Design Theory and Research. Approaching these questions through design-based research, the projects invite us to challenge familiar perspectives and understand sharing as a collective endeavour (Bieling et al. 2025b): an opportunity to explore common ground, take responsibility, and experiment with new forms of coexistence.

Plakat: Wieland, Foto: Sofia Gal.

The exhibition features work from the following seminars: Democracy as Space — On the Topology of Democratic Practice; Gegenentwürfe — The Politics of Design; Sympoietic Design — Designing Coexistence; Pro and Contra — Design as Debate; and Design and Community. It also includes diploma projects, BA and MA theses from the teaching area Design Theory and Research (Prof. Dr. Tom Bieling).

WAS WIR TEILEN – Designforschung zu Raum und Zusammenleben
(WHAT WE SHARE – Design Research on Space and Coexistence)
Opening reception: Thursday, 29 October, 6 pm
Exhibition: 30 October – 12 November
Haus der Stadtgeschichte, Offenbach
Erich Martin Raum, Graphic Collection
Herrnstraße 61, Entrance B, 2nd floor

Featuring work by: Fabian Arnold, Franka Bahlke, Noa Becker, Yasmine Ben Moussa, Paul Berger, Anton Birke, Christopher Bischoff, Devin Can, Xenia Christoph, Mi Düver, Kosmas Ftoulis, Sofia Gal, Lukas Gall, Simon Hanke, Fritz Held, Hannah Heruday, Antonia Hinderegger, Gerrit Hülsmann, Fionn Husemann, Alexej Kosin, Lukas Lange, Lennard Ludig, Clara Maldener, David Martin Maurer-Laube, Zachary Mentzos, Mark Mittasch, Fuheng Nan, Marie-Josefine Pavesi, Svea Marlen Rauch, Lorenz Recken, Simon Schmidt-Meinzer, Mia Schreiber, Carola Schulz, Sallar Shayegan, Anna Stashko, Jean-Luc Klaukien, Anna Koitschev, and Konstantin Illi.

The exhibition is presented as part of the WDC project “Places of Democracy / Orte der Demokratie” (initiated by Astrid Jäger and Monika Jäger in collaboration with the Klingspormuseum and Haus der Stadtgeschichte), supported by the State of Hesse, the City of Frankfurt am Main, and the Kulturfonds Frankfurt RheinMain.

Bieling, T., Jonas, W. and Loschiavo dos Santos, M.C. (Eds.) (2025a): Community (&) Design: Material, Spatial, and Social Encounters. Mimesis International.

Bieling, T., Brandes, U., Christensen, M. and Jonas, W. (Eds.) (2025b): Nutzen statt Besitzen: Michael Erlhoff Revisited. BIRD Board of International Research in Design, Basel: Birkhäuser.

]]>
Beyond the Plumbing: Materiality, Radical Automation, and Human Agency in Post-Agentic Design urn:uuid:484b41f1-a96f-49a0-9d2e-c9f85704c113 2026-10-14T04:28:00+02:00 As artificial intelligence reshapes the practice of design, the profession faces a question that goes beyond technological change: what becomes of design when much of its technical execution can be automated? In his lecture at FAL/UBI on Friday, October 16, Pedro Amado explores how it might open up new possibilities for creative practice, critical inquiry, and human-centred innovation.

Drawing parallels with the transformation of traditional printing, the lecture considers how design can shift its focus from routine production towards material exploration, meaningful interaction, and cultural expression. In this emerging landscape, the designer’s role is less about operating tools and more about shaping relationships between people, technologies, and materials.

Through selected projects addressing environmental awareness, digital inclusion, and the revival of traditional printing practices, Amado examines how design research can respond to changing social and technological conditions. Particular attention is given to the SiX Project, which explores how eye-tracking, experimental drawing interfaces, and AI-supported systems can enable people living with Locked-in Syndrome and ALS to express themselves and reconnect with others.

The lecture ultimately asks how design can embrace automation without losing sight of what makes it human. It proposes a future in which technological advances serve as a means to expand individual agency, while material sensitivity, critical reflection, and human connection remain central to both design practice and education.

Pedro Amado, PhD, is an Associate Professor in the Department of Design at the Faculty of Fine Arts of the University of Porto (FBAUP), where he directs the Master’s Degree in Graphic Design and Editorial Projects. He is an integrated researcher at i2ADS and a collaborating member of ID+. His practice-led research explores typography, computational design, digital materiality, and human-computer interaction. He has contributed to numerous national and European research projects addressing ecological literacy, digital inclusion, smart materials, open-source letterpress tools, and the preservation of design knowledge. He is currently a senior researcher on the FCT-funded SiX project, Drawing for Social Re-connectivity, developing eye-gaze drawing interfaces and AI-assisted systems for people living with Locked-in Syndrome and ALS. He is also co-founder of the international Encontro de Tipografia conference and advocates for open-source tools, somatic resistance, epistemic sovereignty, and freedom of information.

Thematic Seminar
16 October 2026, 11:00 am
Room 2.08, FAL/UBI
Faculdade de Artes e Letras (FAL), Universidade da Beira Interior
Rua Marquês d’Ávila e Bolama
6201-001 Covilhã, Portugal

]]>
Haunted Images – Toxic Ecologies of Photography urn:uuid:7157489b-34be-491b-bee8-7edf27e55aea 2026-10-13T04:19:00+02:00 From October 12 to 16, 2026, the Hochschule für Gestaltung (HfG) Offenbach welcomes Sara Benaglia from the Libera Accademia di Belle Arti (LABA) in Brescia, Italy, one of its ERASMUS+ partner institutions. A lecturer in contemporary art, Benaglia will join Professor Martin Liebscher’s teaching area for a week of lectures and academic exchange.

During her visit, Benaglia will present Haunted Images: Toxic Ecologies of Photography, a four-part lecture series that explores photography beyond its conventional understanding as a medium of representation. Across the sessions, she examines images as material and temporal processes shaped by ecological conditions, political structures, and more-than-human forms of agency.

What happens to photographs over time? How do chemical processes, resource extraction, and environmental change shape the images we produce? And what does authorship mean when materials, algorithms, and biological processes all contribute to the creation of an image? These questions form the starting point for a series that invites participants to reconsider photography as an unstable, evolving, and deeply interconnected practice.

The programme opens on Tuesday, October 13, with Haunted Images: Beyond Representation (14:30–16:00, Schloss, 2nd floor, Room C-206). Benaglia approaches photography as a hauntological medium in which images are not simply records of the past but sites of persistence, spectrality, and non-linear temporality. Rather than treating photographs as fixed objects to be interpreted, the lecture explores how images continue to act, change, and shape our experience of time.

On Wednesday, October 14, the second lecture, Toxic Materialities: Chemistry, Decay, and Life (14:30–16:00, Schloss, 2nd floor, Room C-206), turns to the material and ecological conditions of photography. Focusing on chemical transformations, toxicity, and decomposition, Benaglia examines how images mutate over time. Decay emerges not merely as a threat to preservation but also as a process through which images develop new forms of material vitality.

The third session, Extractivism and the Geological Image, takes place on Thursday, October 15 (10:00–11:30, Schloss, 2nd floor, Room C-206). Here, photography is situated within the global systems of resource extraction and material production on which it depends. Beginning with silver mining and colonial infrastructures, the lecture traces the connections between photographic technologies, environmental exploitation, and labour, highlighting the geological and political dimensions of image-making.

The series concludes on Friday, October 16, with Posthuman Agency and Distributed Authorship (10:00–11:30, Schloss, 2nd floor, Room C-206). This final lecture addresses changing notions of authorship in contemporary art and image practices. By considering the roles of matter, algorithms, and biological processes, Benaglia explores how creative agency can be distributed across human and non-human actors, challenging established ideas of artistic ownership and copyright.

Together, the four lectures offer an opportunity to engage with contemporary debates in photographic theory and practice while examining the broader ecological, political, and material networks in which images exist. Benaglia’s visit also creates space for exchange between students and faculty at HfG Offenbach and an international academic perspective, strengthening the collaboration between the two institutions.

All lectures will be held in English. Students and anyone interested in photography, contemporary art, and the material conditions of image-making are warmly invited to attend.

]]>
Art, Science, and Technology in Latin America Today urn:uuid:4e1067d3-979a-4d97-aad9-48e32c950745 2026-10-12T04:43:00+02:00 Wo Kunst, Wissenschaft und Technologie aufeinandertreffen, entstehen (neue) Formen des Denkens und der künstlerischen Praxis. Das Buch “ARTEÔNICA: Art, Science, and Technology in Latin America Today” richtet den Blick auf diese Schnittstelle in Lateinamerika und verbindet ihre historische Entwicklung mit aktuellen Debatten über Partizipation, gesellschaftliches Engagement, indigenes Wissen, lebende und autonome Systeme, Erinnerung und globale Netzwerke der Solidarität.

Zwei Jahre nach Erscheinen ist es nun mit dem 2026 ALAA-Thoma Foundation Exhibition Catalogue Award ausgezeichnet worden. Der Preis wird von der Association for Latin American Art (ALAA) vergeben; die Auszeichnung würdigt den von Gabriela Urtiaga herausgegebenen Ausstellungskatalog.

Der 2024 erschienene, zweisprachige Katalog (Englisch/Spanisch) begleitet die gleichnamige Ausstellung am Museum of Latin American Art (MOLAA) in Long Beach, Kalifornien. Auf 248 reich illustrierten Seiten untersucht er die Verbindungen von Kunst, Wissenschaft und Technologie in Lateinamerika von den 1960er-Jahren bis in die Gegenwart. Im Mittelpunkt steht der Dialog zwischen Pionier der elektronischen und technologischen Kunst und jüngeren künstlerischen Positionen.

Herausgegeben von Gabriela Urtiaga, Chief Curator des MOLAA, versammelt der Band Beiträge von José-Carlos Mariátegui, Rodrigo Alonso, Claudia Giannetti, Patrick Frank, Tania Aedo Arankowsky und David Maulén de los Reyes. Die beteiligten Künstler kommen aus Argentinien, Brasilien, Chile, Mexiko und Peru und umfassen unter anderem Marcela Armas, Dora Bartilotti, Martha Boto, Teresa Burga, Tania Candiani, Rejane Cantoni, Analivia Cordeiro, Waldemar Cordeiro, Patricia Domínguez, Juan Downey, Marta Minujín, Lucía Monge, Mariano Sardón und Pola Weiss.

Die Ausstellung ARTEÔNICA, die vom 22. September 2024 bis zum 23. Februar 2025 im MOLAA zu sehen war, entstand im Rahmen von Getty PST ART: Art & Science Collide. Ausgehend von Waldemar Cordeiro und der von ihm 1971 geprägten Idee der „arteônica“ zeichnete sie die Entwicklung lateinamerikanischer Kunst an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie über mehr als sechs Jahrzehnte nach.

Die Auszeichnung macht den Katalog nun auch unabhängig von der Ausstellung zu einer wichtigen Publikation zur Geschichte und Gegenwart lateinamerikanischer Kunst an der Schnittstelle von Technologie, Wissenschaft und gesellschaftlicher Praxis.

]]>